El gusto de los otros, de Agnès Jaoui

Esta película ganó el Premio Cesar en 2001, siendo el premio que se otorga a la mejor película en Francia, y fue nominada al Oscar.

ARGUMENTO: Un empresario conoce a una actriz, que es amiga de una camarera, que, a su vez, conoce a un guardia de seguridad, que trabaja con un chófer, al servicio de una decoradora, mujer de un empresario, que querría trabar amistad con artistas que… Es la historia de los gustos.

Jean Jacques Castella es propietario de una fábrica y contra su deseo va siempre acompañado de su guardaespaldas y de su chofer, además de su secretario, y toma clases para aprender inglés. No se interesa por los temas de cultura. Es torpe y brusco en el trato con las personas.

La escena inicial tiene lugar en un restaurante: en una mesa se desarrolla la conversación entre Casella, su mujer y su secretario, ambos recordándole que tiene que cuidarse con las comidas, que tiene sus clases de inglés, que tiene entradas para una obra de teatro independiente en la que trabaja su sobrina.

En otra mesa su chofer y su guardaespaldas. Como en las comedias clásicas, los señores, aquí el jefe, y por otro lado los sirvientes. Desde ese inicio se marcan las diferencias de estilo, nivel, intereses y lenguajes. La directora jugará con esos matices de la diferencias, de las distintas tribus o grupos sociales urbanos. Desde ese momento están también delineadas las personalidades, relaciones y situaciones.

Castella se enamorará de la actriz que protagoniza la obra, que es además su profesora de inglés, y de allí el contraste entre el modo de percibir el mundo del empresario, sus gustos,  y los gustos de los personajes inmersos en el ambiente teatral y artístico, será el motor de las tensiones y las sonrisas que provoca la película.

La obra teatral que van a ver es Berenice, de Racine, que fuera estrenada en 1670, y escrita en verso, segùn la poética de la época. Puesta acá, en la película, representa la alta cultura, lo «culto» y la directora se está riendo tanto del empresario a quien le aburre enormemente, como a los artistas que trabajan en un teatro del pasado, que fuera escrita para otro público.

Roland Barthes en Mitologías señala la connotación de Racine dentro de la cultura francesa: «Racine solo, el grado cero de Racine, no existe. Sólo existe Racine-adjetivos: Racine-poesía pura, (…) Racine-pasión, Racine-pinta-a-los-hombres-tal-como-son, etc. En resumen, Racine siempre es algo más que Racine«.

Y Stendhal, ya en 1823, en Racine y Shakespeare objetaba el teatro de Racine como desactualizado, perimido, lo consideraba el arte para «sus tatarabuelos«: «hay que hacer tragedias para nosotros (…) deben estar en prosa. En nuestros días, el verso alejandrino no suele ser más que una capa bajo la cual se esconde la tontería.» «Nada menos parecido que nosotros a los marqueses de bordados atavíos y de grandes pelucas negras, de mil escudos cada una, que hacia 1670 juzgaron las obras de Racine y de Molière.» Y anunciaba que «Llegará al fin el gran día en que la juventud francesa se despierte; entonces se asombrará de haber aplaudido tanto tiempo y tan en serio tan grandes tonterías.»

Jaoui posiciona a todos sus personajes según las marcas simbólicas de acceso o distancia respecto del campo cultural, que otorga prestigio y status. social.

El lugar y el rango social o artístico no protege a esos personajes de la tontería y la estupidez, del snobismo y la soberbia, o el afàn por presentar cierta imagen frente a los otros: el machista que tiene éxito con las mujeres, el que tiene dinero, el que es artista y tiene sensibilidad estética o formación intelectual, la decoradora que tiene buen gusto y ama a los animales, la mesera promiscua y liberal, la hermana deprimida y necesitada, etc. Distintos códigos, distintos lenguajes, distintos «gustos».

Y unos a otros se juzgan, prejuzgan, desconfìan, se subestiman y desvalorizan entre sí.

El relato se centra en Castella: aburrido de su vida, busca el amor de Clara e intenta insertarse en el núcleo de artistas, actores y pintores, amigos de la actriz. Con sus prejuicios, torpezas e ingenuidad, es el «tonto» que irá haciendo su aprendizaje. Aprende inglés, aprende que los «maricones» pueden ser sus amigos. Se afeita el bigote. Será aceptado. La búsqueda de amor y de reconocimiento funciona, una vez más, como el motor ficcional de la trama.

Y como corresponde a una comedia, se irán atando los hilos secundarios: Manie y Moreno, el guardaespaldas, Weber el secretario, la hermana, el chofer, la esposa.

Mirada luminosa e incisiva de la sociedad francesa.

Una directora inteligente, con un tono muy personal, para dejarse llevar por su mirada. Una directora para tener en cuenta.

Me gustan todas sus películas. Así como Francois Ozon o Claire Denis traman una cinematografía con un registro dramático, Jaoui crea estas comedias irónicas en las que nos vemos tal vez reflejados en sus personajes queribles y ridículos.

Agnès Jaoui

 

Actriz, directora y cantante francesa de origen tunecino judío.

Como actriz trabajó, entre otros directores, para Resnais. La vimos en Conozco la canción.

Como cantante tiene en su haber varios discos de romances, boleros, baladas y fados, en español y portugués, y estuvo presentándolos en Buenos Aires.

Como directora y guionista trabaja junto con su esposo, el actor Jean Pierre Bacri.

Sus películas se reconocen por el tono: graciosas, irónicas, amables y simpáticas, son comedias inteligentes y críticas, miran la sociedad francesa con una sonrisa y cierta acidez respecto de la clase intelectual y artística.

FILMOGRAFIA

• 2013: Al final del cuento, (Au bout du conte)
• 2008: Háblame de la lluvia, (Parlez-moi de la pluie)
• 2004: Como una imagen, (Comme une image)
• 2000: El gusto de los otros, (Le goût des autres)

Jia Zhangke

Cine de autor semi-documental para contar la transformación de China

Su cine se caracteriza por la estilización narrativa y visual, con la que describe a la China de hoy, a sus acelerados cambios.

Fiel retratista y minucioso narrador de la evolución de la sociedad china actual, va relatando en cada una de sus películas los cambios que se van produciendo en la sensibilidad de la gente común, de los jóvenes, de las formas que van tomando las relaciones de todo tipo, las personas y el sistema político. Siempre con historias personales y un sentido de cine fuerte, que hiere, que penetra la piel, diríamos, que hace comprender, que pone en escena a los seres más ignorados y marginales. Pero como dijimos, con mucho sentido de cine. Es un cine imprescindible si queremos mirar a China. Su brutal modo de estar presente en el mundo. El precio que paga por esa integración. Dejando atrás tradiciones, costumbres, modos de vida.

La globalización, que llega a los últimos rincones olvidados del planeta, ha provocado en el gigante asiático una radical metamorfosis urbanística y espacial en los últimos 30 años. Su impacto en las sensibilidades, las subjetividades, las historias de vida. La violencia sobre la naturaleza, las relaciones, los cuerpos. Eso es lo que narra Jia Zhangke. Su mirada sobre China es la mirada de lo que no muestran las estadísticas de crecimiento, la propaganda oficial, el discurso del poder.

La enorme rapidez con la que se producían las transformaciones obligó a Jia Zhangke a utilizar una estética de la inmediatez en la que el impulso documental es la herramienta para registrar los imparables procesos de destrucción y construcción que ocurren en las ciudades.

Su lenguaje cinematográfico, próximo al documental, se contrapone al documental político, de corte informativo y propagandístico del gobierno comunista chino. Ahora, los documentalistas y cineastas disponen de las nuevas cámaras para registrar bajo una mirada propia lo que ocurre a su alrededor, sin restricciones temáticas o formales. Hacen hablar a las imágenes para explicar la realidad.

La voz de Jia Zhang Ke se alza entre la mediocridad del cine chino actual para gritar desesperadamente que los resultados de la política del gobierno chino atentan directamente contra la dignidad de la persona.

Cine de autor, seguramente más conocido en el circuito internacional de festivales que en la propia China. Muchas de sus películas, como A touch of sin están censuradas y no pueden verse en China.

Una cinematografía de los espacios

Los espacios como símbolos y signos de la transformación.

El espacio refleja el estado de indeterminación que vivía la sociedad china. Una sensación de desconcierto e incertidumbre producido por del ritmo hiperacelerado de los cambios invade a los personajes. Los fundamentos y hábitos tradicionales que durante años sirvieron de guía para la sociedad desaparecen dejando a los personajes en un estado de desorientación. De ahí la errancia, el vagabundeo que practican algunos de ellos por la ciudad. Los no lugares son los espacios que para Jia Zhanke mejor definen el estado de transición y zozobra que aqueja a la sociedad china en esos momentos. Los personajes habitan un limbo espacial que les genera desconcierto: entre los espacios familiares-tradicionales y los nuevos espacios impulsados por el desarrollo económico.

Preocupación por la preservación y la memoria

Jia se muestra preocupado con la desaparición de la memoria colectiva provocada por la remodelación de los espacios y la especulación urbanística. Sus películas reflejan una elevada ansiedad por preservar la memoria y recuperar la historia de dos espacios en concreto: la Fábrica 420 y la ciudad de Shanghai.

Ruinas del progreso: ruinas sociales y morales. El progreso como único dios

Su cinematografía nos habla de cómo el sistema ejerce todo tipo de procedimientos para llevar adelante sus proyectos de modernización, ejerciendo sobre la gente métodos violentos, deshumanizados, dejando de lado las tradiciones, la vida milenaria.

Sus películas narran y exponen el complejo concepto occidental de «progreso»,nacido en la Ilustración,  cuyo impacto ha sellado la suerte de las distintas regiones del planeta. Concepto que todo lo justifica y naturaliza. Valor en sí mismo, pareciera que todo lo exige, constituyéndose en el dios moderno.El progreso es violencia, según la mirada de Jia.

FILMOGRAFIA

• 1994 You yi tian, zai Beijing (Un día en Beijing) (Cortometraje)
• 1995 Du Du (Cortometraje)
• 1995 Xiaoshan hui jia (Xiaoshan vuelve a casa) (Cortometraje)
• 1998 Xiao Wu
• 2000 Zhantai (Plataforma)
• 2001 Gong gong chang suo (En público)
• 2002 Ren xiao yao (Placeres desconocidos)
• 2004  Shijie (El mundo)
• 2006 Sanxia Haoren / Still life (Naturaleza muerta)
• 2006 Dong
• 2007 Useless (Wuyong)
• 2008 24 City
• 2008 Heshang aiqing (Cry Me a River)
• 2013 Touch of sin (Un toque de violencia)

PLATAFORMA

Plataforma fue la ganadora en el BAFICI (Festival de Cine Independiente de Buenos Aires) en 2001, en su tercera edición, en sus comienzos, elegida por el Jurado presidido por la intelectual y crítica de la cultura Beatriz Sarlo.

«El premio principal del jurado oficial fue para Plataforma, la candidata de todos desde siempre (de hecho, era vox populi que uno de los jurados se había referido a ella, meses atrás, como «probablemente la mejor película china de la historia»). El triunfo marca la consagración de Jia Zhangke, cuya primera película, Xiao Wu, había sido olvidada a la hora de los premios en el BAFICI 99. Y confirma además el interesante recambio generacional en el cine de la China continental.»

» Tal como se preveía, el cine asiático ganó varios de los principales premios de la tercera edición del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (Bafici). «Plataforma», retrato que el guionista y director Jia Zhangke («Xiao Wu») hizo de los profundos cambios en la sociedad china de los últimos 20 años mediante las vivencias de una pequeña compañía teatral, se quedó con el premio principal a la mejor película.»

STILL LIFE (NATURALEZA MUERTA)

Ganó el Premio León de Oro en el Festival de Venecia 2006.

Basada en la destrucción de una ciudad, es la ciudad condado de Fengjie, que queda tapada por las aguas, al construirse una represa. El desarrollo económico y  energético obliga a la destrucción de la ciudad con más de 2000 años de historia. Fengjie está obligada a desaparecer bajo las aguas como consecuencia de la construcción de la faraónica presa de Las Tres Gargantas. Sus ruinas son el precio del progreso salvaje que no mide consecuencias humanas.

Argumento: A la desaparecida ciudad, ya cubierta por las aguas, le siguen los trabajos de demolición de los edificios existentes. Han Sanming es un minero que viaja a Fengjie en busca de su ex mujer y de su hija, a las que no ha visto en 16 años tras haber sido separados por la policía. En la ciudad en ruinas encuentra un extraño cobijo. Por su parte, y de manera paralela, la película nos presenta a Shen Hong, una enfermera que viaja a Fengjie en busca de su marido, que no ha vuelto a casa en dos años y que lleva una empresa de demolición. Motivada por una serie de recuerdos, la intención del reencuentro no es volver con su marido, sino zanjar un conflicto profundo.

24 CITY

Zia Zhangke narra la historia de una monumental y gigantesca fábrica de aviones en Chengdu, símbolo de la China moderna. Para este trabajo industrial se reclutaron miles de campesinos y floreció una ciudad alrededor. La fábrica se cierra y termina siendo demolida, en una muestra del paso a la China actual. En esta nueva etapa de la economía china germinan los nuevos edificios y los nuevos ricos, siendo los ex trabajadores de la fábrica pobres, olvidados y marginados.

24 City muestra y sigue a un puñado de trabajadores. Es un híbrido experimental de ficción y no-ficción, tiene la forma de cinco entrevistas con trabajadores de las fábricas reales, que  se entremezclan con los monólogos de actores. Es la historia del paso del tiempo en la sociedad china. Pero también la historia del desarrollo del mundo. Del paso de la economía productiva a la globalización financiera.

Zhangke se inspiró en la vida de varios de sus compañeros de colegio secundario que se convirtieron en trabajadores de la fábrica antes de terminar la escuela, y que luego perdieron sus puestos de trabajo a mediados de la década de 1990.

Dice Jia en una entrevista: «A finales de 2006, leí sobre una fábrica de Chengdu en las noticias. En su apogeo, esta fábrica de aviación secreta, llamada Factory 420,albergó a 30.000 trabajadores y 100.000 de sus miembros de la familia. Todo el sitio fue vendido a un promotor, que demolió la fábrica y construyó un nuevo complejo de departamentos llamado 24 City. Yo estaba emocionado de ver a través de este caso la vida real: representa el gigantesco – y milagrosamente rápida – la transformación de la China moderna. Creo que ya es una historia en sí misma«.

Los espacios en ruinas en la obra de Jia Zhangke se transforman en un potente tropo que refleja las violentas remodelaciones urbanas y la velocidad del presente. Estas ruinas arquitectónicas producidas por la modernización son inseparables de una mirada triste por lo que ha desaparecido o está a punto de desaparecer. Su interés por las ruinas está impregnada por una nostalgia del pasado como oposición al progreso actual. Son una temporalización del espacio y una espacialidad temporal.

UN TOQUE DE PECADO  (A TOUCH OF SIN ) 

Una crítica de la violencia

A partir del éxito de público de Relatos Salvajes, que se convirtió en tema de conversación de los últimos tiempos, se me ocurrió relacionar la temática del estallido de la violencia en personajes comunes, ya no bajo el registro del humor negro, como lo hace Szifron, sino tal como la trata Jia Zhangke en la película que presentó en Cannes 2013, y resultó ganadora en el rubro del mejor Guión.

Un toque de violencia, como se tituló en España, se alzó, contra todo pronóstico, con el Premio al mejor Guión en Cannes 2013 donde tuvo que competir con películas como La vida de Adéle, de Abdellatif Kechiche; A propósito de Llewyn Davis, de los hermanos Cohen; Heli, de Amat Escalante; o Le passé, de Aghar Faradi.

Se presentó también en el Festival de Mar del Plata.

El título original alude al pecado, que ha sido traducido por violencia. La traducción pierde su dimensión moral, más filosófica. La última palabra que se pronuncia en la película es «pecado».

Como en la película argentina Relatos Salvajes, aquí también se suceden distintas historias, y no son seis como en aquella, sino cuatro. Cuatro personajes, cuatro provincias, una reflexión sobre la China contemporánea: una sociedad con un desarrollo económico colosal que convive con una enorme violencia.

En Un toque de pecado (o violencia) han cambiado algunas cosas respecto de sus películas anteriores. La estética de la inmediatez y del documental se actualiza en favor de elaborados movimientos de la cámara. Las tensiones y las mezclas entre el documental y la ficción, que hasta ahora habían sido una de las características de su obra, desaparecen.

En este film dramatiza y evidencia dos tipos de violencia: la subjetiva y la sistemática. La primera es la parte visible, la ejercida por el sujeto y caracterizada como irracional.La otra es más abstracta y no puede atribuirse a individuos concretos, sino que es puramente objetiva, sistémica, como la corrupción, el desarraigo, la destrucción ecológica, las condiciones de trabajo…

La irrupción de distintas formas de violencia es lo que vincula a cada una de las historias que componen el complejo mosaico configurado por Jia Zhangke, A Touch of Sin yuxtapone cuatro relatos ubicados en distintas geografías de la China actual –desde las zonas rurales de Shanxi, provincia natal del cineasta, hasta la sofisticación urbana de Guangzhou– siguiendo a otros tantos personajes hacia finales invariablemente trágicos: un minero harto de la corrupción, un trabajador golondrina fascinado con las armas de fuego, la recepcionista de un sauna enamorada de un hombre casado es acosada por un cliente ( interpretada por Zhao Tao, actriz fetiche y esposa de Jia), y un joven que trabaja en un prostíbulo de lujo se enamora y es rechazado, a la vez que es atormentado por su madre y tiene problemas laborales.

Adscripción de Jia al género wuxia

En cada relato moral el personaje termina movido cruentamente de la mano de un mundo de wuxia fatalista con modernos caballeros errantes que resuelven todo tipo de problemas con una aplicación ética de la violencia. Se transforman en justicieros provenientes de las leyendas tradiciones de artes marciales, basados en laliteratura y la ópera. Los cuatro personajes fluyen, pasando de observadores a actores, y vienen a restablecer el sentido de justicia en el mundo. Por eso son relatos morales.

Aunque se plantea desde una sensibilidad muy contemporánea, la película  se puede ver  como una modernización del wuxia, y esta adscripción al género le quita realismo. Las escenas de violencia se acercan por el lenguaje y la forma de representación, al tono del japonés Kitano o de Tarantino.

En lugar de anatemizar la violencia o condenarla,  Jia Zhangke busca comprender sus causas. Los estallidos de violencia no son obra de psicópatas sino de gente cansada y harta de ser tratada peor que animales, contemplar impasibles la corrupción generalizada, ver cómo lo colectivo se vende a manos privadas, cómo unos pocos burócratas y dirigentes comunistas hacen negocios a costa de la pobreza de la población.

Jia muestra cómo esa población parece condenada a trabajar en condiciones de semiesclavitud. A comportarse como súbditos y complacer los extraños gustos de los “distinguidos clientes” chinos de un hotel de lujo. El pasaje al capitalismo es en la mirada de Zhangke  corrupción, enriquecimiento salvaje y exultante de los corruptos, y condena, empobrecimiento de las condiciones de vida, ruina social y moral.

Al final, un joven saltará al vacío, mostrándonos con su caída que la verdadera crueldad y violencia es la ejercida por el sistema sin necesidad de que nadie empuñe un arma, pero ésta es la masa oscura de la sociedad que queda oculta bajo los discursos triunfales del desarrollo. Jia Zhangke nos sigue hablando de las ruinas del progreso en China al mismo tiempo que hace una impresionante crítica de la violencia.

Humanos y animales

Los animales tiene presencia en la película. En una escena en el sauna se oye decir, proveniente de la televisión, que los animales también se suicidan, que los hombres no son los únicos seres que pueden elegir su destino. Y así quedan equiparados humanos y animales, tanto en sus condiciones de vida y  falta de libertad, los hombres son tratados como animales, como frente al suicidio, los animales también lo hacen, como los humanos.

La figura de un tigre, la presencia de un caballo, las gallinas, los peces y las serpientes son algunos de los animales que aparecen repentinamente en el relato. Son animales con gran connotación en la religión y la tradición chinas. En la primera historia el justiciero mata al maltratador del caballo, liberándolo de su yugo. En la cuarta liberan a los peces, volviéndolos al mar. En la tercera aparece la víbora, tal vez anunciando la suerte de la protagonista.

Jia viene a restablecer la dignidad de esos mismos hombres capaces de asesinar y matarse.

Hay dos puestas de teatro en la película, y sus parlamentos parecen hablarles a los personajes, y se insertan en la línea argumental.

El travelling sobre los rostros de los trabajadores mineros en la primera historia, rostros negros por el carbón, y sobre el público reunido en la plaza viendo teatro representa la visión que da el director de la gente común, sencilla, del pueblo, de su amor y ternura hacia ellos, que son los protagonistas de su cine.

Zhao Tao, actriz fetiche y esposa de Jia

Coautora de muchos de sus guiones y colaboradora del director, la bella  Zhao Tao protagoniza en A touch of sin la historia de la empleada del sauna.

El río, de Jean Renoir

Película completa, con sub esp, en youtube: https://www.youtube.com/watch?v=Npi1jLkvRtI

1951

Me gusta esta película. Su ritmo, su paz, la atmósfera bucólica, la filosofía. Los personajes de los chicos y las adolescentes. La vecindad y la convivencia de dos culturas, los europeos y los hindúes. La película ofrece una mirada desde adentro de ese mundo, respetuosa, equitativa respecto de la India.

Renoir se toma su tiempo para describir la vida en ese lugar del mundo. Las actividades de sus habitantes, los pescadores, las fiestas: «Era un cuento de hadas hecho realidad (…) estaban atrapadas en el hechizo (…) Nan estaba exultante«. Es una descripción poética. Y también realista. Pretende narrarnos y hacernos conocer y  comprender un universo lejano y desconocido para los espectadores. Pretende meternos dentro de los parámetros de la vida en esta localidad junto al río. Sus costumbres, sus ritos, sus creencias. La siesta. Los ruidos, sonidos, colores.

Renoir evade el exotismo, no hay ni una pizca de mirada turística. Más bien lo que hace es atraparnos en un relato de amor hacia la India.

Hay formas de vida tan o más valiosas que la cosmovisión europea, parece decirnos Renoir. A través del discurso frente a la muerte de un niño, la película reflexiona. Reflexiona desde una perspectiva distinta sobre la vida y la muerte. Sobre cómo el mundo adulto destruye la inocencia infantil. Las instituciones reniegan de lo mejor de los humanos, parece decirnos. Con su disciplinamiento, orden, racionalidad, especulación. La imaginación, lo lúdico, los sueños se pierden. El mundo infantil y el despertar de las adolescentes. La decepción de la guerra.

La película es relatada desde una voz en off, la voz del personaje ya grande, que recuerda su pasado. Es la voz de la narradora de la novela»El río»  de la escritora inglesa Rumer Godden, sobre la que se basa la película.

Renoir adaptó ese texto y mantuvo la voz narrativa, que le da el tono nostálgico al film. El mundo perdido de la infancia. Y narra con mucho mucho amor sus recuerdos. La infancia perdida. Como un mundo perfecto que ha quedado lejos y al rememorarlo, lo recupera. Y lo ofrece para los lectores, en la novela, y  para los espectadores en la película.

El río como una metáfora de la vida, según la cosmovisión hindú. Como la constante renovación de la vida, la sucesión de la vida y la muerte, el tiempo que pasa y no se detiene. Y sin embargo siempre idéntico en su placidez y belleza. infinito. La vida está en todos los elementos de la naturaleza.

Los humanos que trabajan en las aguas del río o en sus orillas, los chicos que juegan, tienen esa fuerza vital que el río les transfiere. También los muertos vuelven al río.

JEAN RENOIR (1894-1979)

Hijo del pintor impresionista.En la película Renoir, exhibida el año pasado, se narra la juventud del futuro cineasta.

Se alistó como voluntario en la Primera Guerra y volvió del frente de batalla herido en una pierna. Inició una relación amorosa con una modelo de su padre, Andrée Heuschling, con quien se casaría.  Ella fue la actriz fetiche de sus películas, bajo el nombre de

Sus películas, durante décadas incomprendidas en su verdadera dimensión, se ven desde hace tiempo ya como obras clave dentro del desarrollo de la historia del cine francés entre 1930 y 1950, antes de que se iniciara en Francia el movimiento de la Nouvelle Vague.

EL RIO

Cansado de trabajar en Hollywood, Renoir viajó a la India para rodar lo que sería su obra más personal, y considerada por muchos, una obra maestra. El río es una película en color, contemplativa y serena, con un humanismo a veces desencantado: es el resultado de una experiencia propia. El influjo de este film en el cine de la India será patente. El viaje a la India se convirtió desde entonces en un referente (como antes lo era a Grecia).

 

 Una Influencia de El río

Influencia en Wes Anderson: Viaje a Darjeeling (2007)

 

Viaje a Darjeeling es una comedia dramática del 2007 dirigida por Wes Anderson y protagonizada por Owen Wilson, Adrien Brody, y Jason Schwartzman. Fue escrita por Anderson, Schwartzman y Roman Coppola. Colorida, graciosa, delirante. Con el estilo de Anderson, para ver con una sonrisa, para contemplar con ternura a los personajes, que son tres hermanos que van en busca de su madre, interpretada por Anjelica Huston. El mayor de los hermanos, el personaje de Owen Wilson, con la cabeza vendada por un accidente sufrido, es el que organiza y comanda el viaje, a lo largo de la India, en tren. El director dijo haberse inspirado en algunas escenas de la película de Renoir.

 La novela El río, de Rumer Godden

Basado en la novela de la escritora inglesa Rumer Godden

Godden nació en Sussex (Inglaterra) y fue criada junto a sus tres hermanas en Naravanganj, ciudad que entonces era parte del Raj británico, la India. Cuando tenía 20 años, regresó al Reino Unido junto a sus hermanas para prepararse como maestra de baile. En 1930, se mudó a Calcuta, en donde empezó una escuela de danza para niños ingleses e hindúes. Godden administró la escuela durante 20 años con la ayuda de su hermana Nancy. Durante este periodo publicó su primer bestseller, Black Narcissus (1939).

Luego de un matrimonio fallido de 8 años, Godden se mudó con sus dos hijas a Cachemira, viviendo inicialmente en una casa flotante y posteriormente en una casa rentada, en la que inició una granja de hierbas. Godden regresó a Calcuta en 1944. Su novela Kingfishers Catch Fire está basada en su vida en Cachemira. En 1949, se casó por segunda ocasión y regresó al Reino Unido para concentrarse en su carrera literaria.

Películas de Renoir en youtube

Boudu salvado de las aguas (1932)

En dos partes en youtube:

parte 1

https://www.youtube.com/watch?v=HNVRRnr0pdM

parte 2

https://www.youtube.com/watch?v=icqk-Fa_UNw

Una fiesta en el campo (1936)

La gran ilusión (1937), con Jean Gabin, sobre la guerra

Las reglas del juego (1939), completa con subt en ingles, en youtube:

https://www.youtube.com/watch?v=NNucR2KTtpE

El río (1951)

en youtube, comp, sub español (grafía demasiado grande)

Lore

Les paso el link de una entrevista sobre LORE (está en inglés) para ver a la Lore de la vida real, sobre la que se inspira la novela y la película, junto a su hija la escritora, Rachel Seiffert, y la directora, Cate Shortland, además de las chicas actrices, el que adaptó el guión y el productor.

 http://youtu.be/pcPcXqVRDr4

Directora: CATE SHORLAND

1968, 45 años, australiana

Sobre el libro de RACHEL SEIFFERT «El cuarto oscuro«

Autora inglesa, de madre alemana y padre australiano.

Un episodio de la vida de su madre, Hannalore Dressler, la inspiró para narrar los hechos que desarrolla la novela, y luego fueron adaptados al cine.

Película basada en hechos reales, narrados desde una perspectiva a la que el cine no nos tiene acostumbrados. La historia vista desde otro lado. Un punto de vista extraño.

Es el relato de un viaje, del deambular por los caminos al finalizar la guerra. Narra la vuelta a casa.

Y tambien de un viaje interior, de crecimiento, de descubrimiento del mundo, de la propia sexualidad, de la responsabilidad de la que dependen la vida y la muerte.

Y de la caída de los dioses. El volverse contra la autoridad, la ley, el padre, las creencias, los discursos. El desengaño. La decepción y la desconfianza corroen desde la raíz el mundo aprendido en la infancia.

Parábola intensa. Bella. Fotografía preciocista. Retrato de un momento de la historia del mundo y de la vida de una mujer.

 

Sobre la temática de los chicos huérfanos de la guerra, el cine ha producido un gran material.

Belle

             

La película es éxito de taquilla en EEUU. Película que da que hablar. Saca a la luz la historia de Belle, el personaje histórico y  la Historia con mayúscula.  la esclavitud, la gente de color, el arduo y lento proceso por el que se fue combatiendo el tráfico de esclavos africanos y cómo éstos fueron ganando su libertad.

Su directora, Amma Asante. La protagonista: Gugu Mbatha Raw. Estupenda!! La acompañan: Tom Wilkinson, Sam Reid, Sarah Gadon, Miranda Richardson, Penelope Wilton, Tom Felton, Emily Watson.

Resumen: Dido Elizebeth Belle (Mbatha-Raw), una joven mestiza, la hija ilegítima de un Almirante de la Marina real (Matthew Goode), es criada por su tío abuelo Lord Mansfield (Tom Wilkinson) y su esposa (Emily Watson). Al mismo tiempo que su linaje le permite disfrutar de ciertos privilegios y fortuna, su presencia provoca problemas sociales, en una Inglaterra aristocrática y en la que el comercio de esclavos representa un sólido ingreso y es un pilar de la economía del imperio.

 

PELICULA NACIDA DE UNA PINTURA

Cómo un cuadro del S. XVIII inspiró la película y litigio autoral

La investigación del contexto histórico y del personaje de Dido Belle, la inicia la escritora Misan Sagay, a partir de la pintura que está en exibición en el Scone Palace, en Escocia, cuando estudiaba medicina en la Saint Andrews University. Inició la redacción del guión en 2004.

La pintura, fechada en 1779, representa dos jóvenes de la aristocracia vestidas con las prendas y joyas más lujosas de su época. Pertenecen a la nobleza. La primera, una muchacha blanca, con un vestido de seda rosa y brocato, es Elizabeth Murray, y en segundo plano, pero de igual importancia que la primera, hau una joven de color, lo que es un hecho raro para su época.Lo llamativo es la inclusión de una mujer de color con el status de la nobleza, dado que las mujeres negras solo eran representadas en las pinturas de la época como parte de la servidumbre esclava.

El doble retrato en el Scone Palace ha sido siempre llamado y reconocido como el de Lady Elizabeth Murray

Recien en la década de 1990 se identificó a la compañera de Elizabeth Murray. Ella es Dido Elizabeth Belle.

El cuadro fue encargado por Mansfield, y sus herederos los mantienen hasta hoy en el palacio. Así es como Misan Sagay lo vio y sintió curiosidad por la figura de Belle, lo que la llevó a iniciar su investigación sobre la vida de ésta. Este es el germen de la película.

Sin embargo la directora niega haber usado ese trabajo de Sagay, y sostiene que de ese material no ha quedado ni una línea en la película. Que ha redactado ella misma el guión, utilizando experiencias propias, y que para la elaboración del personaje de Mansfield se ha inspirado en su propio padre.

El litigio entre la escritora y la directora por la autoría del libro ha llegado a la justicia de los EEUU que falló a favor de la primera.

VIDA DE DIDO ELIZABETH BELLE

Era hija ilegítima del Admirante de la Marina Británica Sir John Lindsay y una mujer esclava de las colonias en el Caribe. Dido fue llevada de niña por su padre a Inglaterra, quien la dejó en Denwood House, el aristocrático palacio de su tío, el Conde de Mansfield, para que recibiera una educación aristocrática, acorde a su linaje.

Dido Elizabeth Belle Lindsay. Los nombres del personaje tienen profundas connotaciones.

Dido es en la Odisea homérica, el nombre de la reina de Cartago, ese reino lejano y bárbaro, en Africa. Elizabeth es el nombre de la mujer del tío abuelo. Y  Belle es el apellido de su madre, Maria Belle,  cuyo nombre fue tomado del propietario de la plantación en la que era esclava. Pero Belle, como título de la película, hace alusión a la belleza del personaje.

Su madre, a diferencia de la ficción, no había muerto, según las recientes investigaciones. Lindsay la había establecido en Florida, alrededor de 1770.

Lord Mansfield era un eminente abogado escocés y llegó a ser nombrado el Presidente del Supremo Tribunal de Justicia de Inglaterra. El matrimonio de Lord Mansfield, que no tenía hijos, la crió junto con otra sobrina, Elizabeth, cuya madre había muerto y cuyo padre estaba en las colonias se había vuelto a casar, y no se ocupaba ni de ella ni de mantener su fortuna, por lo que la niña, en la ficción, carece de una dote, tan importante para una mujer para poder casarse en esa época. Dido, en cambio, al morir su padre, le deja una fortuna, que la vuelve objeto de interés para la codicia de los nobles sin riquezas, como es el caso del pretendiente, en la película, que al no ser el mayor de los hijos, no hereda.

Mansfield crió a las niñas en su casa de Londres. Dido y Elizabeth crecieron juntas y ambas recibieron un trato igual. Lo cual shockeaba y provocaba disgusto en los aristócratas contemporáneos del alto funcionario de la corona.

Cuando no recibían invitados Dido era tratada como el resto de la familia, y se sentaba a la mesa a comer con ellos. Pero cuando había invitados ella no podía estar presente, porque era contrario a las reglas formales. Y como explica Mansfield, no podían imponer a las visitas el desapego a las formalidades, porque podía dar lugar a «objeciones razonables».

La joven tampoco podía sentarse a la mesa de los criados, porque ella era de linaje, y su rango no se lo permitía. Por lo tanto en esas ocasiones, cenaba sola.

La posición de tener a la niña de color en la casa era absolutamente única, y creaba dificultades en la vida en sociedad. Y también suspicacias y acusaciones de influenciar a su tío a la hora de fallar en el famoso caso Zong.

Este es el tema de la película de Amma Asante: cómo era tratada una muchacha de color en la sociedad de la época.

Cuando murió Lord Mansfield, recordó en su testamente que Dido era una mujer libre.

Se casó con John Davinier en 1793, quien a diferencia del personaje de la película, era valet.  Cabe observar que los niños de la nobleza jugaban con los hijos de los servidores, y tenían con  éstos  gran familiaridad. Los servidores domésticos no esclavos representaban una categoría social importante por su número, su rol, sus lazos estrechos con los amos. El matrimonio tuvo tres chicos, incluyendo dos mellizos.

Dido Bell murió en 1804, tenía 43 años. Fue enterrada en en cementerio de St George.

 

BELLE, PELICULA HISTORICA

Belle se inserta en la narración de un capítulo de la historia de la abolición de la esclavitud

Belle no muestra la vida de los esclavos. Muestra el debate de ideas, las posturas a favor y en contra de la esclavitud. Los argumentos. La necesidad o conveniencia económica del comercio de esclavos. El peso de los comerciantes de esclavos en Inglaterra. Frente a ellos, la película muestra los discursos, los ideales.

Los ideales de libertad y justicia de un fogoso abogado joven. Con él se identificara el viejo funcionario, en la cima del poder, al recordar su propia juventud y sus inicios profesionales, y será su esposa que se lo hará recordar.

Película histórica. Sigue los lineamientos de un film centrado en un hecho histórico del siglo XVIII en Inglaterra.

Por otra parte en ese momento prenden las ideas libertarias, que bregan por el valor no monetario de las «cargas humanas», del valor como seres humanos.

En 1772, cuando Dido Belle tenía 11 años, el juez falló en contra de la esclavitud, con estas palabras: «La esclavitud es tan execrable que no merece defensa».

También presidió el juicio por el caso de la masacre de Zong, caso por el que 147 esclavos africanos fueron tirados al mar por la tripulación por orden del Capitán, y sus propietarios reclamaban el cobro del seguro por la pérdida y daño económico.

Una empresa traficante de esclavos desde Africa demandaba a la aseguradora el cobro de la pérdida de 147 esclavos. Aducía que los había tenido que tirar al mar por la falta de agua. Frente a la escasez de agua para la tripulación, no podían mantener a la carga humana negra, y los esclavos morirían de todos modos de inanición.

El argumento en contra del discurso de los traficantes de esclavos sostenía que en realidad los esclavos habían enfermado por el hacinamiento y las condiciones del viaje, y en ese estado, ya no resultaban productivos ni convenientes para su venta, por lo que habían optado por deshacerse de ellos para cobrar el seguro. El buque había tenido la oportunidad de cargar agua en puertos por los que no se detuvo.

Lord Mansfield sostuvo que los comerciantes no podían reclamar dinero y que los esclavos no eran desechables.

Su dictamen  jugó un rol crucial en la abolición de la esclavitud. Sin embargo su dictamen aludía al aspecto económico, no se refería a la perspectiva moral de la esclavitud, como resalta la película.

El horroroso trato a los esclavos fue dado a luz por este caso, en el que intervino el movimiento abolicionista, y condujo al fin de comercio de esclavos en Inglaterra en 1807.

EL DISCURSO DE LA ILUSTRACION

THOMAS DAY (1948-1789)

En una escena de la película el tío le pregunta a Dido que está leyendo y ésta menciona a Thomas Day.

Autor inglés abolicionista, famosísimo y el más leído por los chicos. La Historia de Sandford y Merton enfatiza los ideales sobre la educación que expone Rousseau en el Emilio. Los libros infantiles de Day fueron bestsellers durante más de cien años.

Fue un activo crítico de la esclavitud y denunció la hipocresía de los congresistas que declararon la independencia de EEUU y la abolición de la esclavitud pero mantenían sus esclavos.

LA ILUSTRACION: ROUSSEAU y KANT

En los encendidos discursos de Davinier resuenan las ideas del S XVIII sobre la igualdad y la libertad.

El Contrato Social rousseauneano se inicia con la frase «El hombre ha nacido libre«.

Kant formula la base de su ética: «Obra de tal modo que trates a la humanidad, tanto en tu persona como en la de los demás, siempre como un fin, nunca simplemente como medio». Valor radical de lo humano, de la persona, que lo diferencia de las cosas y los objetos. Y este valor absoluto es universal, es decir, igual para todos.

Ideas, discursos, libros, que aún censurados y clandestinos, recorrían el mundo como fuego. Hasta la reina María Antonieta, en la película de Sofía Coppola, lee a Rousseau.

La persona como valor absoluto. Esta es la idea de la Ilustración.

Como bien señala Michel Foucault en Las palabras y las cosas esta  idea del hombre es una «invención reciente, una figura que no tiene ni dos siglos» .

Y en la película asistimos al momento preciso de su «invención», es cuando surgen estos discursos y esta idea, por la que luchan los idealistas como el personaje de Davinier. Idea que se difundirá e impondrá con la Revolución Francesa.

El Conde de Mansfield

Dido Elizabeth Belle, retratada en la pintura

Tom Wilkinson y Gugu Mbatha-Raw, protagonistas de Belle

William Murray, descendiente del conde, aportó información sobre el personaje.

Sobre la disputa entre la escritora de la historia original y la directora, nota en The Telegraph:

http://www.telegraph.co.uk/culture/film/11008121/Belle-authors-in-bitter-feud-over-writing-credit.html

William Somerset Maugham y el cine

SOMERSET MAUGHAM Y EL CINE

Trabajó en Hollywood. Escribió guiones de películas, y también se filmaron películas a partir de sus novelas, obras de teatro y relatos. Pocos escritores fueron tan prolíferos en el campo del cine. Como escritor y como inspirador incluso de un personaje que ha dado el cine, como tributo a este escritor fascinante, enigmático, que era tímido y seductor, amante del gran mundo y lúcido observador. A continuación sólo algunas de las películas sobre los textos de Somerset.

SERVIDUMBRE HUMANA (Of human bondage, 1915)

Su relato autobiográfico Servidumbre humana (Of human bondage, 1915) fue considerada la mejor novela al ser publicada, y dio origen a múltiples adaptaciones en el cine.

El texto narra cómo el hombre se ve arrastrado y humillado por la mujer más inapropiada y desprecia a aquellas que de verdad lo aman. «Si queres que un hombre sea bueno contigo, has de ser duro con él», dice una de sus protagonistas. El cine, la novela, reinciden en la perversidad femenina, su fascinadora atracción.

El protagonista masculino, Philip Carey, es el alter ego de William Somerset Maugham: como él, es estudiante de medicina, tímido y padece de cojera de una pierna, mientras que Somerset padecía de tartamudez, leve defecto físico que le persiguió toda su vida. En la novela Philip se opera de la cojera

Pocas veces una obra literaria produjo tantas versiones cinematográficas de envergadura.

El exitoso relato fue llevado al cine en 1934,con Bette Davis (Cautivo del mal); en 1946, con Eleonor Parker (Cautivo del deseo), y en 1964, con Laurence Harvey y Kim Novak (Servidumbre humana).

Cautivo del mal, 1934

Dirigida por John Cromwell, con elegancia. Rinde homenaje a Murnau (como en la escena de los enamorados cruzando entre los autos. Introduce al espectador en la escena, haciendo que los actores hablen a la cámara. Utiliza los recursos técnicos de la época para proyectar a la mujer soñada en los sobresaltos de la ilusión. Retrata a los personajes lanzados a sus deseos, en una ciudad de Londres en camino a la modernización.

Con Leslie Howard en el personaje principal, alter ego de William Somerset Maugham. Carey es un mediocre pintor con un pie defectuoso congénito, incapaz, que se resigna a su suerte, a su perseverancia y falta de inteligencia

Con Bette Davis como Mildred Rogers, una simple camarera de sonrisa encantadora. Este papel le hizo ganar la primera de sus diez nominaciones a los Oscars y se convertiría aquí, para siempre, en la más mala de las clásicas. En los papeles secundarios se destacan Frances Dee (Sally) y Kay Johnson (Norah), las otras mujeres en la vida sentimental de Philip

Cautivo del deseo, 1946

Dirigida por Edmund Goulding, y protagonizada por Paul Henreid y Eleanor Parker.

Servidumbre humana, 1964

Con dirección de Ken Hughes  y con Laurence Harry y Kim Novak, en los protagónicos.

A pesar de su corrección, no alcanzarían el impacto que tuvo sobre el público la versión con Bette Davis, convertido en un clásico del cine.

THE PAINTED VEIL (El velo pintado, 1925)

Al otro lado del mundo (2006),  protagonizada por  Naomi Watts, Edward Norton y Liev Schreiber,  es una adaptación deesta novela, de la que hay una adaptación anterior, de 1934, protagonizada por Greta Garbo.

 

Argumento:Kitty Garstin, joven y bella londinense, cumple sus veinticinco años sin haber alcanzado el objetico para el que fue educada por su madre: hacer una buena boda. Por temor a que su hermana menor se case antes que ella, contrae matrimonio con su bacteriólogo, un hombre inteligente, educado y normalmente intachable, que la adora pero de quien no está enamorada. Después de la boda, se trasladan a Hong Kong, donde Kitty se enamora de Charlie Towsend, un inglés apuesto y frívolo de la colonia extranjera, con quien le será infiel a su marido. Descubiertas sus relaciones adúlteras, y traicionada por Charlie, se verá obligada a seguir a su marido a una zona interior de China afectada por el cólera. Kitty, incapaz de obtener el perdón de su marido, se entrega a labores humanitarias. El contacto con la muerte y con una realidad dura y penosa harán de ella una persona nueva. Y descubrirá su amor por su marido.

AL FILO DE LA NAVAJA (The razor´s edge, 1944)

Su exitosa novela The Razor’s Edge (El filo de la navaja) publicada en 1944, fue llevada al cine dos años después, con Tyrone Power, Anna Baxter, Clifton Webb y en 1984 con Bill Murray.

Argumento: Larry Darrel mira atrás y no se ve a sí mismo. No está muerto, ha sobrevivido a la Gran Guerra y ya nada puede ser como antes. Necesita renacer y encontrarle sentido a su vida. Larry romperá su compromiso de boda y renunciará a su radiante porvenir en el mundo de las finanzas. París, la India y el Tibet serán algunos de los escenarios en los cuales buscará otro modo de enriquecerse: en sabiduría y en conocimientos, sumergiéndose en nuevas culturas y espiritualidades Larry abandona a sus amigos ricos y su estilo de vida y viaja a la India en busca de la iluminación. El elemento autobiográfico está de nuevo presente, ya que el protagonista se había enrolado como voluntario en una unidad de aviación y Maugham lo hizo en la Cruz Roja. Sin Darrel, la vida continúa en Chicago, en donde Isabel ha renunciado a esperarle y el crak del 29 amenaza fortunas y sueños de oro. Los temas del misticismo oriental y el asco provocado por la guerra chocaron a los lectores en unos momentos en que estaba acabando la Segunda Guerra.

Link de la Escena del diálogo de Larry con el sabio, el maestro zen en la India, en la versión de 1946, en youtube: http://youtu.be/cu-ZA0c6GIo

 El misterio de la villa (Up at the villa, 1941)

El misterio de la villa (Up at the villa) fue filmada en el 2000 con Kristin Scott Thomas y Sean Penn, dirigida por Philip Haas.

Conociendo a Julia, 2004 (Theatre, 1937)

 Conociendo a Julia (2004) es una adaptación de la novela Theatre, de 1937, de Somerset Maugham. Fue dirigida por el reconocido director húngaro István Szabó y protagonizada por Annette Bening, por la que fue nominada al Oscar a la mejor actriz y Jeremy Irons.

Somerset como personaje

Somerset también está presente en el cine, ya no a través de sus textos adaptados o de sus guiones, sino por su vida misma, su persona hecha personaje. Dado que el escritor inglés trabajó como espía para el servicio de inteligencia británico durante la guerra, y viajó y vivió en las colonias europeas del sudeste asiático, su figura se hizo mítica.

En Seven, película de suspenso, cine negro y psicothriller, de 1995, protagonizada por Brad Pitt y Morgan Freeman, el personaje que Freeman interpreta es el detective de Homicidios William R. Somerset, en una clara referencia y homenaje al escritor.

VER: SOMERSET MAUGHAM: VIDA DE NOVELA: https://gruposdecine.wordpress.com/wp-admin/post.php?post=477&action=edit

 

 

Louis Garrel

LOUIS GARREL (1983)

 familia de cineastas: hijo de Philippe (1948) y  Brigitte Sy, nieto de Maurice (1923-2011), y ahijado de Jean-Pierre Léaud, ícono de la Nauvelle Vague

Los vimos muy joven en Los soñadores (2003), bajo la dirección de Bertolucci; en Los amantes regulares (2005), dirigido por su padre; sufriendo, amando y cantando en Canciones de amor (2007), de Christophe Honoré; junto a Isabelle Huppert en el hijo incestuoso de  Mi madre (2004), basada en el texto de Bataille, también de Honoré; recientemente en Capital Humano, del italiano Paolo Virzi y en Actrices (2007) Un castillo en Italia (2013), de su esposa Valeria Bruni Tedeschi. Aparece en la escena final de Los amantes imaginarios (2010) de Xavier Dolan. Y en casi todas las películas de su padre y de Honoré, es el actor fetiche de ambos directores. Este año lo vimos en la foto del Festival de Venecia presentando La jalousie.

Y en las revistas y en el cine,  posando para las campañas de la marca Valentino.

Es una de las figuras del cine francés, una cara conocida, nos gusta encontrarlo. Fue madurando, ya no es aquel chico melancólico, con un toque de misterio, de sus primeras películas en blanco y negro, dirigido por su padre. Se ha ganado el lugar. Su figura de adulto de hoy, algo desaliñado, un poco torvo, de aire serio, nos sigue gustando.

¡Te amamos, Louis!!!!

ENTREVISTA (fragmentos) publicada en el diario EL PAIS:

A Garrel el cine le corre por las venas. Su abuelo, Maurice Garrel, era actor. Su madre, Brigitte Sy, también. Su padre, Philippe Garrel, es uno de los más reputados cineastas franceses. Ahijado de Jean-Pierre Léaud —un intérprete pegado a un nombre, el de su director fetiche François Truffaut—, a Louis Garrel no parecía quedarle otra, y con seis años debutó en un filme de su padre.

Y ahí empieza su carrera por el cine de autor de la mano de su padre y de Christophe Honoré. Garrel ha protagonizado los últimos cuatro filmes de Honoré, que ha dirigido seis.

EP. ¿Te interesa la moda?

L. G. ¿Has visto mi ropa? ¿Tú que crees? [Garrel lleva en San Sebastián dos días con la misma ropa, sin cambiarse].

EP. Pero te convertiste junto a Eva Green y Michel Pitt en imagen de Emporio Armani.

L. G. Fue a raíz del lanzamiento de Soñadores, sí. Me pagaron bien y ya está.

EP. Has dirigido un cortometraje y…

L. G. De eso me apetece mucho hablar. He realizado un corto porque como te decía antes vivimos en Francia una sequía creativa. Sospecho que mi carrera acabará dirigiéndose hacia esos terrenos, que dejaré de actuar para ponerme detrás de la cámara. Eso sí, siempre que tenga algo que contar, no rodar por rodar, por el «ahora toca hacer otra». No puedo traicionarme.

 Philippe Garrel, el director, su padre

 

Hijo del actor Maurice Garrel, dirigió su primera película a los 15 años. Hace películas con un sello experimental. Es director, guionista, productor, montador, y en su primera etapa, también director de fotografía, de sus películas. Tiene muchas en su haber, pero no son de llegada al gran público.  Casi todas lo tienen a Louis como protagonista.

Es uno de los favoritos en los festivales como los de Cannes y Venecia; goza del favor de la crítica y el prestigio en ámbitos especializados. Este año presentó en Venecia La jalousie (Los celos), que esperamos ver pronto.

Maurice Garrel, el legendario actor, su abuelo

 

Lo vimos en algunos de sus últimos papeles: en Los amantes regulares (2005), es el abuelo del joven interpretado por Garrel, nieto en la vida real; en Reyes y Reina (2004), de Arnaud Desplechin, haciendo de padre de Nora, la protagonista, que muere dejando sus escritos.

Nuri Bilgen Ceylan

NURI BILGEN CEYLAN

Ganó este año en el Festival de Cannes, con su película Winter sleep, ambientada en la famosa y hoy turística región de Capadocia. Y mucho se habla de él.

Su cinematografía se compone de un puñado de películas que bastan para situarlo como uno de los directores turcos más importantes, con un lenguaje personal.

Página oficial del director, biografía y fotos (en inglés):

 http://www.nuribilgeceylan.com/bio-english.php

KASABA (1998)

Si existe la categoría de cine poético, esta película en blanco y negro, de 1998, es un bello ejemplar. Retrata la vida en un pequeño, pequeñísimo y alejado pueblo (su título se traduce como Pequeño pueblo, Small Town), es su retrato poético y nostálgico. Basta ver la escena en la escuela, con el lento discurrir de la lectura, la fuerte nevada a través del vidrio, la llegada de ese chico empapado que poner a secar sus medias al calor de la estufa, el sonido de las gotas al caer, el gatito que maúlla en el alféizar de la ventana, la mirada del maestro. Un mundo otro, alejado, no urbano, lejos de la Turquía moderna. Son dos turquías bien diferenciadas. Con toda la ternura de quien ha nacido ahí.

NUBES DE MAYO (2000)

Esta película fue presentada en la tercera edición del Bafici, en 2001 y ganó el premio al Mejor Director:

 «como mejor director fue reconocido el turco Nuri Bilge Ceylan por «Nubes de mayo», una cautivante película que el próximo jueves se estrenará comercialmente en dos salas porteñas».

LEJANO (2002)

Ganadora del Premio del Jurado en Cannes 2003.

Ambientada en la ciudad, pero siempre con la procedencia del pueblo. Mahmut, un fotógrafo intelectual recibe en su casa a su pariente Mahmut, que viene a  Estambul a buscar trabajo, pobre e inculto. A través de Mahmut, Ceylan presenta una crítica a la figura del intelectual, que no puede conectar sus emociones ni establecer vínculos, no es auténtico y finalmente está tan solo como su primo.

Mediante los silencios y los diálogos secos, y el ritmo moroso de su desarrollo, Ceylan retrata los vericuetos de una relación que se podría pensar como la relación entre el campo y la ciudad, el pasado y las costumbres frente a la Turquía moderna «aculturada», que pierde las raíces. El precio que paga el desarrollo, el olvido, la pérdida. La discriminación.

CLIMAS (2006)

El director y editor es también, junto con su esposa, guionista y actor: la pareja en la vida real de Nuri y Ebru da vida a su vez a esta pareja conflictiva de Isa y Bahar, vista desde la perspectiva que sigue los vaivenes subjetivos de él . La figura de este profesor tal vez revela la mirada de Ceylan hacia los intelectuales.

El relato se inicia en el escenario de las ruinas monumentales de Kas, en la costa del Mediterraneo, en la intensidad del calor del verano. Y se cierra en el frío penetrante del invierno en alguna  ex república soviética de la estepa siberiana. Frío que penetra el alma.

La trama es la historia de la separación de la pareja, con todo lo oscuro y tormentoso que entra en una relación cuando es dispar, cuando hay desamor. Desde la separación inicial, el relato avanza a través de la voluntad masculina de Isa, que, por soledad, aburrimiento, o porque no soporta la idea de la autonomía de Bahar, la mujer, resuelve ir a buscarla, decidido y seguro de que ella responderá a su propuesta, hecha desde el  egoísmo y la manipulación afectiva.

La construcción de un personaje perfectamente adaptado socialmente: éxito profesional, destacado profesor universitario, se relaciona con otros profesores e intelectuales. Pero la mirada del director va más allá, muestra lo que no se ve. El engaño y la mentira vinculados al erotismo; y el sexo unido al distanciamiento afectivo. La soledad, la imposibilidad de sentir y relacionarse auténticamente con los otros.

Nuri B. Ceylan maneja con maestría el retrato, esa mostración de los estados subjetivos a través de la mirada penetrante de la lente en el rostro, en los destalles más ínfimos de la gestualidad. Para penetrar en la interioridad, para hablarnos de lo que sienten, para decirnos qué se siente en esas situaciones en las que sumerge a sus personajes. El calor arrasante, el frío inhumano, son el telón de fondo de los sentimientos. De lo que no se puede hablar, sólo mostrar.

Dice Firat Yücel (periodista y escritor turco):

«Hoy, después de su éxito en todo el mundo, Ceylan se ha consolidado como el maestro (incluso el descubridor) del paisaje en la historia del cine turco. Sus películas son famosas por sus deliciosas imágenes de ciudades nevadas y por sus sublimes panoramas de la Anatolia rural. Pero lo que hace que sus películas sean extraordinarias no es, en absoluto, su dominio técnico para reflejar lo exterior, sino su capacidad de capturar lo interior y de enseñar lo que aparece en las mentes de los personajes principales. Es decir, su capacidad para mostrar al «hombre interior».»

El ritmo, el modo de narrar, el lenguaje, es intimista, contemplativo. En su filmografía resuenan ecos de Antonioni.

Son marcas de su estilo las largas imágenes fijas, planos desenfocados, encuadres inusuales. La mirada y la calidad de su fotografía denotan su profesión de fotógrafo. La belleza formal y la utilización de los recursos están puestos al servicio del relato. A Ceylan le interesa contar algo, plantear una situación y desarrollar las vicisitudes en los personajes que crea.

TRES MONOS (2008)

Mirada cruel, dolorosa, desgarradora de la Turquía actual, urbana, con sus pobrezas y servidumbres.

ERA UNA VEZ EN ANATOLIA (2011)

Siempre Anatolia, siempre pobreza material, espiritual. Con el fondo de un hecho policial.

WINTER SLEEP (2014)

Ganadora de Cannes 1014, llevó definitivamente a la fama internacional al director.

En ella Ceylan está a cargo de la dirección, y como siempre, junto con su esposa Ebru, del guión, lo cual se refleja en los diálogos y el tratamiento de la relación de la pareja. El doble punto de vista, la mirada femenina y masculina de de los personajes permite complejizar y profundizar en los vericuetos del mundo y de la historia del matrimonio, con toda la densidad y la carga emocional de dos seres casi aislados del mundo.

Pero este mundo exterior si filtra a través de múltiples relaciones con la escasa gente del pueblo, la hermana y algún amigo para mostrar mejor las contradicciones, las esperanzas, las miserias y las desilusiones vitales. El marco social, las diferencias de clases, los comportamientos y los valores son elevados a confrontaciones y enfrentamientos que Ceylan logra mostrar en pequeños toques y detalles.

En esta última película de Ceylan, a diferencia de las anteriores de su producción, que eran poco habladas, abundan los diálogos, y son diálogos por momentos ampulosos, filosóficos, con un tono literario. Lo cual lo llevo a tener que contratar actores profesionales, ya que son diálogos arduos de interpretar. Recordemos que solía trabajar con actores amateurs y que por ejemplo él mismo y su esposa protagonizaron «Climas».

El escenario del viejo hotel está ambientado en la región de Capadocia, en la que las casas milenarias están construidas en la roca de la montaña, el paisaje característico moldeado por la forma cónica de los cerros, la sequedad de su llanura y el frío intenso del invierno, la meseta nevada que alude tal vez al frío y al sentimiento de vacío interior, afectivo. El frío de los afectos y de las relaciones familiares, la tristeza y el silencio de la intimidad.

En el monólogo en el que Aydin intenta justificarse, dice que hay que haber nacido en un pueblo sin electricidad para comprender que esto es la felicidad, el estar acá, en este lugar protegido, escuchando la voz de su mujer, aunque sea gritando horrores. «Hemos tenido una juventud opaca. No hemos aprendido a ser felices. Ni a hacer felices a otros.»

«Pero no tuvimos malas intenciones. Nuestros sueños fueron inocentes y puros.»

Respecto del film, el director expresa:  «no puedo decir que he hecho una película sobre un asunto en concreto, preciso y claro. Lo que me gusta es hacer cine ambiguo que, al final, deje sentimientos compartidos. A veces me piden que resuma mis películas en una palabra o en una frase: ¡no soy capaz!»

«Si el público consigue experimentar un poco de vergüenza por algunas cosas, esto constituye ya de por sí una forma de éxito para el film. Mi motivación para hacer cine es tratar de comprender el alma humana.»

Respecto del final, agrega: «Hay tanta esperanza en mis personajes como en la vida. Algunos directores gustan de dar una nota optimista al final de sus películas. No es mi caso. Soy bastante realista y a veces hay que saber ser pesimista. Me parecía incluso que el final de la película era un pelín demasiado optimista para mi gusto y en el montaje hice que las palabras de Aydin fueran un poco más confusas para compartir un poco la carga del personaje con su mujer. No me gusta que en el cine se perciba directamente lo que la gente dice y, en el fondo, Aydin bien podría formular esas palabras para aliviarse, sin ser honesto. En este sentido, escondí las cartas.»

El lenguaje cinematográfico de Nuri Bilgen Ceylan está marcado por su intensidad. No hay películas banales o anodinas. No busca entretener. Busca impactar, pegar emocionalmente al espectador. Sus personajes parecen divagar, desangrándose,  dentro de las relaciones con sus próximos. El suyo es un mundo de dolor, de búsqueda de comprensión nunca hallada.

Su tono nos recuerda al Tarkovski de Sacrificio, y Aydin una recreación de su Alexander.