Fukushima mon amour, de Doris Dörrie

 

Cada encuentro con una película de la directora alemana es una felicidad. La sigo desde sus comienzos, como escritora y como realizadora. Me reconozco una seguidora o fan suya.

Doris Dorrie tiene en su haber más de treinta películas, escribió cuentos, novelas, literatura infantil y también dirige operas.

 

 

 

Desde el título y la ambientación la película alude a la tragedia ambiental ocurrida en su ciudad el 11 de marzo de 2011 en esa región de Japón.

Dörrie visitó Fukushima apenas unos meses después de la catástrofe. Y filmó la película a muy pocos kilómetros del reactor nuclear.

La directora alemana vuelve una vez más a Japón. Esta es su cuarta película en cruce con Japón, precedida por Sabiduría garantizada (1999), El pescador y su mujer (2005) y Las Flores de cerezo (2008).

 

 

Protagonizada por Rosalie Thomass y Kaori Momoi, y acompañada por los propios habitantes de la zona, junto a la participación de Moshe, uno de los fundadores de Payasos sin fronteras, la propuesta ficcionaliza -a partir de datos concretos de la realidad- un universo dramático que interpela la relación entre Europa y Oriente, el choque cultural, el juego entre problemáticas globales e intimidad, los desplazamientos y movimientos migratorios, la reconstrucción de los hogares y cierto toque de apocalipsis que puede vencerse desde el amor y el trabajo en comunidad.

 

 

Poética como siempre, en un riguroso blanco y negro, poniendo las tradiciones japonesas junto a los fantasmas de una joven alemana, en Fukushima Mon Amour Doris Dorrie obliga a reflexionar sobre cómo seguir cuando se perdió todo, cómo lidiar con los fantasmas del pasado, como sobrevivir a una tragedia y a las pérdidas.

 

 

“Fukushima, mon amour”, nos habla del pasado, del dolor y de la construcción de un nuevo futuro.

Marie, la protagonista, viaja a Fukushima tras la catástrofe nuclear con la organización Clowns4Help. Una vez allí, conocerá a muchas personas que lo han perdido todo, entre ellas, la última geisha de Fukushima.

 

 

 

“Quería saber lo que se siente cuando todo a tu alrededor es radiactivo y tú no sabes qué hacer. Quería saber cómo te sientes cuando todo a tu alrededor ha desaparecido. Para mí era muy importante vivir todo esto en primera persona. De lo contrario, no hubiese sido capaz de contar esta historia”, explica la directora.

 

 

 

Al ser interrogada respecto de si existe alguna semejanza con los refugiados que llegan a Europa, Dorrie dice:

“Si, muchas. En mi película se habla de gente que lo ha perdido todo durante la catástrofe de Fukushima. Los refugiados también vienen a Europa porque lo han perdido todo. Queríamos entender lo que significa verdaderamente viajar con tantos fantasmas en la maleta. Al hablar de fantasmas me refiero a aquellas personas a las que han perdido, aquellas personas a las que echarán mucho de menos. Me refiero también a los recuerdos, a los olores, a las imágenes del hogar, a todo lo que antes formaba parte de sus vidas. Creo que debemos entender lo que esto significa, creo que debemos aprender a sentirnos como esas personas”, asegura Dörrie.

 

 

 

Rosalie Thomass es una de las actrices emergentes en Alemania. A sus 28 años ya ha recibido numerosos premios en su país.

 

 

 

 

La película se presentó en el Festival de Berlín.

Fukushima mon amour es interesante, bella,  impactante desde lo visual, conmovedora, por su contenido documental y emocional. Expresa la particularidad de esta directora.

Doris Dorrie sabe imprimir en cada una de sus películas su mirada del mundo, su sensibilidad, su ternura respecto de los seres y personajes que crea.

 

ENTREVISTA A LA DIRECTORA

DW: In your new film, a young German woman, on a quest to find out who she really is, travels to the Fukushima disaster area. You first visited Fukushima in 2011, just six months after the nuclear disaster there on March 11, 2011, only to return with a camera team a few years later. What had changed in the meantime?

Doris Dörrie: It’s awful, but nothing has really happened at all, except for the fact that the area has been tidied, and debris has been cleared. Five hundred kilometers of completely ravaged landscape remain. We often forget that this stretch of land was hit by three disasters in just 20 minutes: the earthquake, the tsunami and the nuclear accident. The first time I visited, I met evacuees living in temporary housing. They were there then, and they are still there now. That, too, hasn’t changed.

Some of them, for the most part older women, are in your film.

Yes they are, and that was great. It was so touching and sweet that they wanted to participate; they were so enthusiastic and thankful. To them, the film wasn’t as important as the fact that we were around, and offered a bit of entertainment.

You shot the movie on location in Fukushima, sometimes just a few kilometers away from the reactor. How did you even manage to get a film team to accompany you?

At first, I was scared to enter the restricted area, and always walked around with my contamination meter, and of course I did a lot of research. I got in-depth information from a radiation expert – after all, I didn’t want to take a camera team and actors into the area if I couldn’t guarantee that nothing would happen to anyone – me included.

Millisieverts, microsieverts, Becquerel…

Yes, I brushed up on the differences between the various radiation dose quantities that I’d been familiar with after the Chernobyl nuclear disaster, but had forgotten. In fact, I have learned a lot, for instance that the radiation in the air in Fukushima is as high as it is in Munich. And that the soil is still contaminated even after the top layer has been removed and packed in plastic sacks that are left lying around.

You and your team lived alongside the workers tasked with removing the soil. How did that go?

That was really bizarre. Our «hotel» was a collection of containers, and that’s where the day laborers lived, too. They had come from all over Japan to remove the top 15 centimeters of soil over 500 kilometers. Apart from this «hotel,» there was a crematorium, two brothels and a supermarket – that was it, there was nothing else. It was like a lunar landscape. We were thrown together during our seven-week shoot, and that was very bizarre: in the morning, the workers would leave with their power shovels while we headed out to the next film location.

What was your experience with the people who lived in this lunar landscape?

The human tragedy was palpable, be it the workers, the evacuees in their temporary housing or the cashier at the supermarket. You can still feel it even five years after the disaster; it still weighs heavily on the people.

«Greetings from Fukushim,» also known as «Fukushima, mon amour,» is about the unusual friendship between two very strong but very different women. One of them is an old geisha – who gave you the idea for the character?

In the «New York Times,» I read about Tsuyako Ito, a geisha from Kamaishi who lived in emergency housing and was worried that her song, the Fisherman’s Song, would be lost. Every geisha has her own cultural heritage and her own music. So three young geishas from Tokyo visited her and she taught them her song. Ito not only gave me the idea for my protagonist, the three young geishas also play a role in the film, as does passing on the song.

You are fascinated by Japanese culture, and you’ve already filmed four movies in Japan. Why there?

If only I knew… I believe it’s this great ambivalence between feeling «completely at home» and «like a total stranger.» It always happens simultaneously, and that is electrifying and exciting.

 

Un fragmento de Voces de Chernobyl,

de Svetlana Alexievich

 

 

En 1997, Alexievich, que recibió el Premio Nobel en 2015, publicó este libro sobre la vida en esa ciudad después de la catástrofe nuclear, ocurrida en 1986.

[link del diario La Nación:  http://www.lanacion.com.ar/1834739-un-fragmento-de-la-plegaria-de-chernobyl-cronica-del-futuro-de-svetlana-alexievich%5D

ENTREVISTA DE LA AUTORA CONSIGO MISMA SOBRE LA HISTORIA OMITIDA

–Han pasado diez años… Chernóbyl ya se ha convertido en metáfora, en símbolo. En historiaincluso. Se han escrito decenas de libros, se han filmado miles de metros de cintas de video. Nosparece que de Chernóbyl lo sabemos todo: los hechos, las cifras. ¿Que se podría añadir a esto? Porlo además, es tan natural que la gente quiera olvidar Chernóbyl, convenciéndose de que todo haquedado atrás…

¿Sobre qué trata este libro? ¿Por qué lo he escrito?

–Este libro no trata sobre Chernóbyl, sino sobreel mundo de Chernóbyl. Justamente sobre lo que sabemos tan poco. Casi nada. Es una historia omitida: así la llamaría yo. A mí me interesaba notanto el propio suceso –qué pasó aquella noche en

la central y quién tiene la culpa, qué decisionesse tomaron, cuantas toneladas de arena y de cemento hicieron falta para construir el sarcófago sobreaquel agujero diabólico–, sino las sensaciones, los sentimientos de las personas que estuvieron en

contacto con lo desconocido. Con el misterio. Chernóbyl es un enigma que aún no hemos

desentrañado. Tal vez sea un tarea para el siglo XX

I. Un reto para el futuro.

¿Qué es lo que elhombre ha conocido, qué ha adivinado, descubierto de si mismo? ¿En su relación con el mundo? La reconstrucción de los sentimientos y no de los hechos.

Si antes, cuando escribía mis libros, me detenía en los sufrimientos de otras personas, ahorasoy tan testigo como todos los demás. Mi vida es parte del suceso, vivo aquí. En la tierra de Chernóbyl. En la pequeña Belarús, país sobre el que antes el mundo casi no había oído hablar. En el país del que ahora dicen que ya no es una tierra

sino el laboratorio de Chernóbyl. Los bielorrusos son el pueblo de Chernóbyl.

Chernóbyl se ha convertido en nuestra casa, en nuestro destino

nacional. Se ha convertido incluso en nuestra visión del mundo. Yo no podía no escribir este libro…

–¿Qué es, en definitiva, Chernóbyl? ¿Cierta señal? ¿O, de todos modos, es una catástrofe

tecnológica gigantesca, no comparable con ningún otro suceso anterior?

–Es más que una catástrofe… Pues lo que impide entender Chernóbyl es justamente la

pretensión de colocar Chernóbyl entre las catástrofes más conocidas. Se diría que constantemente nos movemos en la dirección equivocada. Aquí, por lo visto, no basta con la experiencia del pasado.

Después de Chernóbyl vivimos en otro mundo, el mundo anterior no existe. Pero el hombre no quiere pensar en ello, porque nunca se ha parado a

reflexionar sobre esto. Ha sido cogido por sorpresa.

Más de una vez he oído a mis contertulios la misma confesión: “No encuentro las palabras para transmitir lo que he visto, lo que he experimentado”, “no he leído sobre algo parecido en libro alguno, ni lo he visto en el cine”, “nadie antes me

ha contado nada semejante”. Estas confesiones se repetían, y no he eliminado a propósito estas repeticiones. La verdad es que encontrarán muchas

repeticiones. Las he dejado, no las he tachado, no sólo para dar mayor veracidad, con la intención de mantener una “verdad  carente de artificiosidad”;

sino porque me parecía que reflejaban además lo insólito de lo sucedido. Todo se señala, se pronuncia en voz alta por primera vez. Ha sucedido algo para lo que aún no tenemos un sistema de representaciones, ni casos análogos, ni experiencia, para lo que no está adaptada nuestra vista, nuestro oído; ni siquiera nuestro diccionario nos sirve.

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Disponemos de todo nuestro instrumental interior, que está preparado para ver, oír y tocar. Pero nada de esto es posible. El hombre, para comprender algo de todo esto, debe salir fuera de sus propios límites.

Ha comenzado una nueva historia de los sentidos…

–¿Pero, un hombre y un suceso no siempre son equivalentes? Es más frecuente que no lo

sean…

–He buscado a personas conmocionadas. Seres que se hayan sentido a solas, frente a frente, con esto. Que se hayan parado a reflexionar. Que expresaran un texto nuevo… Un texto que hasta ahora nadie hubiera oído…

Silencio de amor, de Philippe Claudel

 

 

Philippe Claudel fue escritor antes que cineasta.  Y eso se evidencia en esta película, única comedia en su carrera cinematográfica.

Comedia que destila frescura, humanidad, calidez.

 

 

 

 

 

El protagonista es profesor de música barroca en la universidad de Estrasburgo, que en sus ratos libres canta en un coro y lee libros a ancianos enfermos.

Con él viven su hija de quince años y su hermano, un anarquista con tendencias revolucionarias, que ha huido de Italia ante la subida al poder de Berlusconi y que se ha jurado no salir de casa hasta que su país quede libre del tirano.

Tanto la hija como el hermano consideran que Alessandro está demasiado solo y hacen lo posible por encontrarle una novia.

 

 

 

Alessandro pertenece a la Asociación “La Unión de las Palabras”, que lee a enfermos en hospitales.

Así conoce a Agathe, una mujer que afronta con valentía y energía sus últimos días. Vemos así a la bella Anouk Aimée, la hermosísima actriz que vimos en La dolce vita y en Ocho y medio, de Fellini, en sus más de ochenta años un hermoso papel otoñal.

El título original de la película, Touts les soleils, está sacado de un poema que Alessandro le leyó y ella se lo recuerda cuando se va a despedir de él, en esa escena de despedida:

 

«Todos los soles, al amanecer, siguen un poco dormidos, aletargados, indolentes

se mofan del fuego del día que les espera;

del rostro de los hombres, de la muerte y de la guerra. 

 Todos los soles, al amanecer, son como niños grandes, que se burlan del tiempo.»

 

 

 

 

Viudo desde que su hija tenía cinco meses, Alessandro se resiste a cualquier relación amorosa. Los muertos son más fuertes que nosotros, tienen toda la vida por delante, pero los ausentes son peores, nos atormentan, se dice en la película.

Alessandro cree y así lo expresa ante la madre de su mujer que «El tiempo no cambia nada. El tiempo es solo una excusa«.

El personaje está signado por la melancolía y el recuerdo de su mujer muerta.

Y Agatha dice: Los muertos pueden más que nosotros. Tienen toda la vida por delante. pero es peor con los ausentes. Nos atormentan más que los muertos.

El recuerdo constante le pesa a su hija que no llegó a conocer a la madre.

El conflicto se centra en la negación de Alessandro a olvidar a su esposa, y la presión que ejercen todos los que lo rodean y lo quieren para ayudarlo a salir de esa situación.

Todos creen que debería conocer a una mujer y enamorarse. Para comenzar a mirar el presente y hacia el futuro.

Pero no amar a su edad es inmoral, le dice Agatha.

Y Nina, una niña vietnamita enferma del corazón, así se lo explica a Alessandro cuando le lee en el hospital el mito de Orfeo y Eurídice: los muertos nunca regresan al mundo de los vivos.

En el diálogo con la niña, él le pregunta si eso le parece justo o injusto, a lo que ella responde simplemente que es así.

Esa aceptación de la muerte, lo deja perplejo y lo hace pensar a Alessandro.

Orfeo es según el mito, el único mortal que descendió al mundo de los muertos y volvió al de los vivos. Lo hizo para traer a su esposa muerta, y a través de sus dones de músico y poeta. Eurídice en cambio no retornó a la vida, porque Eurídice no cumplió la condición impuesta por los dioses de no volverse para verla.

Así, el tema del tiempo, las pérdidas y los recuerdos, en definitiva, los procesos de duelo, está desarrollado con cierta comicidad pero también con un toque de nostalgia.

El nuevo amor llegará a través también de otro duelo, el de la hija de Agatha. El sentido de la pérdida y la melancolía unirá a los personajes.

 

 

 

 

 

 

La relación conflictiva pero amorosa entre padre e hija (Alessandro e Irina) se duplica como en espejo en la de madre e hija (Agatha y Florence)

 

 

«Silencio d’Amuri» – La Tarantella

 LEYENDA DE LA TARANTA

Procedente del sur de Italia, de las regiones tanto de la costa del Tirreno como del Adriatico, aunque cada zona tiene características diferenciales, la tarantella es un ritmo de danza y canto, acompañados del tamburo  (la pandereta), y desde tiempos ancestrales, medieval y barroco, se creia que ayudaba a sacar el mal del cuerpo provocado por la picadura de la taranta, la araña.

Las mujeres entraban en trance bailando, y así lograban volver a la cordura y sacar el efecto provocado por la araña.

Hasta hoy perdura esta danza popular, que se puede ver en las fiestas en las calles de los pueblos, y por otro lado, hay una recuperación por parte de los jóvenes y de los músicos especializados en el Barroco, como la Compañía de Canto Popolare, liderada por Eugenio Bennato.

LA MUSICA DEL BARROCO ITALIANO

Alessandro forma parte de un grupo que interpreta la música y canto barrocos, lo que da pie al director para hacer entrar, junto con las escenas de las clases que imparte, música antigua del sur de Italia.

La banda sonora pertenece al  disco de L´Arpeggiata y Christina Pluhar, La Tarantella: Antidotum Tarantulae. L´Arpeggiata es un ensamble vocal e instrumental de música antigua, que rescata e interpreta música barroca.

El actor Stefano Accorsi nos sorprende con una voz pura cantando Silenzio d´amuri, creando la escena final, inolvidable, de la película.

 

La tarantella dicen que cura, Alessandro la explica técnicamente en clase, pero su hija le hace ver que a pesar de su tarantella sanadora, él no está curado.

Claudel utiliza la tradición y la leyenda siciliana y de todo el sur de Italia de la tarantella y de la tammorra.

La tammorrata es un género musical antiguo basado en el instrumento de percusión, el tamburo, construido con la piel de cabra o de oveja.

 

 

 

 

La película tiene una escena central, musical, hacia el final, en la que el coro con el protagonista cantan la bella canción siciliana del poeta músico Alfio Antico SILENZIU D´AMURI, de la que la película toma su título en Argentina.

Alessandro le lee la traducción a la Nina, la niña vietnamita. Y en distintas escenas la bellísima música acompaña las imágenes.

Alfio Antico es heredero auténtico y directo de la tradición popular siciliana, recibida de su familia, que viene de la commedia dell´arte. Creció trabajando como pastor, y fue descubierto por Eugenio Bennato, tocando una noche en una plaza de Florencia.

 

 

 

En la iglesia donde Alessandro canta con su grupo musical barroco esta maravillosa canción, van a concentrarse todos sus recuerdos, sus amores y también su esperanzador futuro. Se ha reconciliado con la propia vida.

 Claudel regala con esta comedia sensaciones de vitalidad y de confianza, de reconciliación con el pasado, con los muertos, con los ausentes, con la vida.

 

FILMOGRAFIA DE PHILIPPE CLAUDEL

Silencio de amor (Touts les soleils, 2011) es su segunda película y la única comedia.

En 2008 fue director y guionista de la película Hace mucho que te quiero, protagonizada por Kristin Scott Thomas, que recibió  numerosos premios, como el César a la mejor ópera prima.

Su filmografía se completa con Antes del invierno (2013) y A childhood (2015).

CLAUDEL ESCRITOR

Previamente a su labor cinematográfica, Claudel ya era conocido como escritor, había publicado más de treinta obras entre novelas y nouvelles.

NOVELAS TRADUCIDAS AL ESPAÑOL

• Almas grises (2005)
• La nieta del señor Linh (2006)
• El informe de Brodeck (2008)
• Aromas (2013)

 

LETRA DE SILENCIO DE AMOR (en siciliano y traducido al español)

T’amaju di quannu stavi dintr’a la naca,
T’addivaj ducizza a muddichi a muddichi
Silenziu d’amuri ca camini intr’a li vini
Nun è pussibili staccarimi di tia.
Nun chiangiti no albiri d’alivi
Amuri e beni vengunu di luntanu,
Dilizia amata mia, sciatu di l’alma mia,
Dammi lu cori ca ti dugnu la vita.
Vacanti senza culura tengu lu senzu
Quanno na mamma si scorda a so’ figliu,
Tannu mi scordu d’amari a tia
Ti vogliu bbene picciliddra mia.
Vulati acidduzzi iti ni ll’amata
Cantantici mentri nc’è morte e vita
Comu tuttu lu munnu esti la campagna,
Tu si a Riggina e ju ‘u Re di Spagna.

 

Te he amado desde que estabas en la cuna,

Te fui dando dulzura migaja a migaja

Silencio de amor que recorre mis venas

No me es posible separarme de ti.

No lloréis olivos

El amor y el cariño vienen de lejos

Delicia, amada mía, aliento del alma mía,

Dame el corazón que yo te daré la vida.

Vacío y sin color sería el sentimiento

Cuando una madre se olvida de su hijo,

Solo entonces  podría yo olvidar amarte

Te quiero, mi pequeña.

Volad golondrinas, e id donde mi amada

Y cantadle mientras hay muerte y vida

Como todo el mundo es el campo,

Tú eres la reina y yo el rey de España

 

 

 

Toni Erdmann, acidez alemana

 

¿Cómo una película alemana con humor se ha convertido en la película europea del año? Maren Ade es la directora de Toni Erdmann,  sensación de Cannes 2016, y una de las favoritas para el Oscar a la mejor película de habla no inglesa.

 

 

Producción germano-austriaca dirigida, escrita y coproducida por la realizadora alemana.

En el centro del relato la relación entre un padre y su hija.

Dos generaciones, dos culturas. Y el quiebre contemporáneo. Los anhelos, las ansiedades y las búsquedas existenciales. Y el amor. Enfrentamiento, acercamiento, las distancias y las proximidades afectivas. La familia hoy.

Una ejecutiva joven (Sandra Hüller, alemana) absorbida por su trabajo corporativo en Bucarest, Rumania, para una multinacional alemana. Su padre (Peter Simonischek, austríaco, ambos actores de teatro), aficionado a las bromas, irrumpe de pronto en su vida para interpelar sus convicciones. Y revelar el absurdo de la sociedad entera.

 

Hace años, Ade asistió al estreno de una secuela de Austin Powers y le regalaron unos dientes postizos. Su padre se los quedó para bromear constantemente con ellos.

 

 

Pero el grotesco personaje que se inventa el padre no es menos ficticio que el disfraz de profesionalidad de la hija en su entorno laboral. Toni Erdmann retrata todas las capas del mundo de los negocios, desde los CEO hasta los obreros.

“Situamos la historia en Rumanía porque la brecha entre ricos y pobres es más grande. Allí se ve el capitalismo que se apoderó de un país. Cuando cayó el comunismo el país se vendió al mejor postor, dolorosamente. Y muchísimas empresas alemanas y extranjeras entraron en el país. Me interesa mostrar como la jerarquías entre países continúa dentro de las empresas. Y mostrar las actitudes de los alemanes cuando van al extranjero, diciendo a la gente qué es lo que tienen que hacer”, dice Ade del trasfondo de la película.

 

Toni Erdmann es invisiblemente compleja. Maren Ade se documentó durante un año sobre la labor de consultores alemanes en Bucarest, rodó más de 100 horas con sus actores hasta pulir una historia de poco más de dos horas y media, y utilizó 2000 extras para rodear a sus pocos personajes en las realistas localizaciones de Bucarest. Siete años ha tardado Ade en estrenar su tercera película.

Lo que hace de Toni Erdmann una gran película es la inteligencia de los diálogos, el sarcasmo y la ironía para pintar la sociedad contemporánea.

El tratamiento de la relación paterno filial a través de escenas memorables, como la del abrazo al animal peludo en el parque.

Maren Ade hace que se nos meta en la piel ese personaje vergonzante del padre y esa ejecutiva angustiada y exitosa, en sus peleas y frustraciones.

Con escenas imposibles de olvidar.

 

El protagonista, Winfried, es un profesor de piano sin alumnos, bromista irredento, mientras que la hija debe poner en marcha un plan de reestructuración en una empresa de Bucarest que pasa por el despido de gran parte de los empleados.

El progenitor es tan travieso como su hija es rígida y seria.

Lo que empieza como una bufonada termina por tambalear los cimientos de la vida profesional de Inés.

 

 

Dice la directora:

He tratado de hacer algo extraño, pero al mismo tiempo universal. Mucho de lo que muestro es ridículo, una sensación habitual cuando filmas a gente merodeando desnuda, como en la escena de la fiesta de cumpleaños. Inés se desnuda por desesperación. Se halla en un callejón sin salida. No puede soportar a esa gente estúpida, a esos falsos amigos por más tiempo. Quiere deshacerse de la vida que lleva. No la convierte en una heroína, pero es el instante en que todo funciona, porque es el más humano.

El realismo puede volverse aburrido, así que tratamos de encontrar algo nuevo. Del mismo modo que el personaje de Winfried (Peter Simonischek), que no es lo que se dice el mayor fan de la realidad. Aunque los alemanes tendemos a decir que tienes un verdadero sentido del humor cuando puedes reírte de todo, sin importarte las circunstancias. Quizás de eso trata la película. Para mí, el humor procede a menudo del dolor.

Vengo de un cine muy realista y la idea de hacer reír me ayudó durante la escritura del guión, pero a medida que avancé, me di cuenta de que me interesaba el drama, así que no es una comedia pura. Mucho de lo que ahora resulta hilarante surge de la tragedia o de la desesperación de los personajes. Es extraño, porque durante el rodaje, dejó de ser tan divertida. De hecho, le advertí a mis productores que podría ser un filme muy melancólico, pero que me gustaba lo que estábamos haciendo. Y aunque es una película larga, en la mesa de edición cambié el ritmo. Las comedias tienen que ver con la cadencia temporal. Retorné al humor en la sala de montaje.

 

 

 

P.- Cuando Winfried pregunta a Inés por el sentido de la felicidad, lo hace extensivo a toda la audiencia. ¿Ha encontrado una respuesta?
Ade.- Hay una escena en la que Winfried le dice a Inés que la vida consiste en aferrarse a momentos y no sólo en tacharlos de tu lista. Lo que es muy lindo, porque quieres que tus hijos sean felices. Pero, en ocasiones, la felicidad está sobrevalorada. La gente viviría más relajada si aceptase que está bien no ser feliz a veces. Winfried no es tan feliz como quiere que su hija lo sea. Y de ahí deriva cierta deshonestidad entre ambos. Inés ha tenido una buena infancia, lo que es un privilegio. Quizás es por esa razón por la que su padre decide ir a visitarla, adoptar ese alter ego majareta y dedicarse a hacer trastadas, para recordarle su niñez. Sólo quiere que su hija vuelva a ser la que era.