Muñecas, de Takeshi Kitano

Poema trágico, experiencia visual, desafío estético, Dolls (2002)  mezcla escenas de belleza impactante, climas inquietantes, fantasías temidas, con los que Takeshi Kitano intenta conjurar sus fantasmas más personales.

La película se abre con una representación de bunraku, el teatro de marionetas tradicional japonés, género con el que el director está muy familiarizado desde la infancia, dado que su abuela era una artista del mismo y por el que Kitano siempre sintió admiración y atracción.

Esta escena del bunraku anuncia el tono y el matiz emocional y afectivo que domina en los tres relatos que componen la película.

Esos tres segmentos narran la historia triste y trágica de tres parejas, tres experiencias de vida.

 

 

 

Los muñecos anuncian la historia de dos amantes errantes, Matsumono (Hidetoshi Nishijima) y Sawako (Miho Kanno). Hace tiempo ambos estuvieron prometidos y su felicidad era completa, una situación que se vio truncada cuando Matsumono abandonó a Sawako antes de la boda. El hecho de que su posición social se viera mejorada por un nuevo y provechoso matrimonio, hizo que dejara a la joven, haciendo que esta se sumiese en una profunda depresión que derivó en intento de suicidio primero, y en ostracismo después. Cuando Matsumono conoce el estado de Sawako, se embarca en la quimérica tarea de devolverle a la vida, sacándola del hospital psiquiátrico donde se encuentra y recorriendo unidos (en sentido literal, atados con una cuerda) los escenarios que significaron algo en su pasado.

 

 

La segunda historia nos conduce al pasado, momento en que Haruna (Kyoko Fukada) gozaba de popularidad como joven cantante. A los conciertos de la artista llegaban cientos de admiradores, siendo constante la presencia de Nukui (Tsutomu Takeshige), su devoto seguidor. No obstante, un repentino accidente de tráfico acaba con la carrera de Haruna, deformándole el rostro y arrebatándole su espíritu. A partir de entonces Haruna huye de sí misma y del mundo, negándose a ver y ser vista. Su obsesión porque ningún amigo o conocido pretéritos vean su nueva fisionomía empuja a Nukui a cortar sus globos oculares en un buñueliano sacrificio por la intérprete. La abnegación de Nukui conmueve a Haruna, quien acepta que el joven se acerque a ella.

 

 

En la tercera historia Hiro (Tatsuya Mihashi), es un anciano que recuerda entre lamentos haber perdido a la mujer de su vida. Cuando eran jóvenes, tanto él como su novia (Chieko Matsubara) tomaban cada sábado la comida que ella preparaba. El ritual comenzaba en el mismo parque, en el mismo banco. Allí se amaron y allí tuvieron que separarse cuando él, despedido de su empresa, decide ingresar en la yakuza, la organización mafiosa japonesa. Pero ella siguió esperando, sábado tras sábado, en el banco de aquel parque. Ahora que ambos son mayores, que ha pasado toda una vida entre aquel recuerdo y el presente, Hiro decide recuperar el tiempo perdido, sentándose con ella en el banco y tomando su comida pendiente.

 

 

El montaje, a cargo del propio cineasta como la dirección, la producción y el guion, insiste en los planos fijos, estáticos, que nos recuerdan el paso del tiempo y su implacabilidad. Pero nada de la construcción fílmica, ni los rasgos líricos, los rostros impávidos de sus protagonistas ni la belleza de sus paisajes, pueden hacernos olvidar que se trata de un trabajo de Takeshi Kitano.

Kitano es como un jaguar cinematográfico, espera quieto y agazapado a que el espectador se acomode en su asiento, para saltar sobre su conciencia, azuzarla y perturbarla.

 

 

Dolls es, como Sueños de Akira Kurosawa, un festín visual. En esta película Kitano muestra su admiración por el maestro.

Y es también una película de gran hondura emocional,  que hace replantearse la violencia que subyace a una vida que, en la superficie, se presenta inmóvil y paralizada. Kitano apela a la tradición cultural japonesa, a la concepción de la fatalidad. Y del sacrificio como aspecto esencial del amor. El dolor está unido al amor.

El amor eterno une a la pareja con cuerdas rojas. Y los seres humanos son como marionetas en manos de los dioses y de los designios del destino.

 

 

Los relatos proceden de un escritor considerado el Shakespeare japonés: Chikamatsu Monzaemon, que vivió a finales del siglo XVII y principio del XVIII y dejó escritas innumerables obras de marionetas Bunraku y para teatro Kabuki, que se representaban en los teatro de  Osaka y Kioto.

Sus obras son las primeras en el mundo en desarrollarse alrededor de historias de la gente del común. Uno de los temas era el amor imposible y el doble suicidio, como en su obra más conocida, Los amantes suicidas de Amijima.

 

 

EL DIRECTOR: TAKESHI KITANO (1947)

Kitano fue actor, mimo, director, escritor, crítico y novelista, dibujante y pintor y hasta diseñador de videojuegos. Hoy es reconocido como uno de los realizadores japoneses más importantes del cine contemporáneo.

Durante muchos años, el nombre de Takeshi Kitano era considerado un director de culto.

En Japón es conocido como Beat Takeshi. Se trata de un seudónimo que él mismo sigue utilizando cuando actúa para otros directores, y le viene de los años en los que fue uno de los cómicos más conocidos de la televisión nipona, y formaba el mordaz dúo Two Beats, una suerte de sátiros que iban en contra de todo y de todos y que tuvieron un éxito enorme durante la década de los 80. De ahí, Kitano dio el salto a la televisión

 En 1997 ganó el León de Oro en el Festival de Venecia de 1997 y gracias al premio su carrera dio el salto al circuito internacional.

Kitano había conseguido una firma propia: un director que se debatía entre el thriller de bajos fondos y violentos finales, y la delicadeza del drama romántico, social y contemplativo, en la línea del maestro Yasujirō Ozu y el esplendor visual y estético de Kurosawa.

De repente,  en 1994, en un accidente de tráfico estuvo a punto de perder la vida.Su encuentro con la muerte le hizo dejar la bebida, repensar su vida y su trabajo como director. Si antes la autodestrucción y la ira eran formas primigenias de su cine, ahora había luz de esperanza al final del túnel. Una posible redención.

 

 

FILMOGRAFIA COMO DIRECTOR:

 

• Violent Cop (1989)
• Boiling Point (1990)
• A Scene at the Sea (1991)
• Sonatine (1993)
• Getting Any? (1995)
• Kids Return (1996)
• Hana-bi (1997)
• Kikujiro (1999)
• Brother (2000)
• Dolls (2002)
• Zatōichi (2003)
• Takeshis’ (2005)
• Glory to the Filmmaker! (2007)
• Achilles and the Tortoise (2008)
• Outrage (2010)
• Beyond Outrage (2012)
• Ryuzo and the Seven Henchmen (2015)
• Outrage Coda (2017)

 

Ojos negros, de Nikita Mijalkov

Ojos negros (1987) fue aclamada en todo el mundo, y Mastroianni recibió el premio al mejor actor en el Festival de Cannes y la nominación a un premio Óscar por su actuación.

El director ruso Nikita Mikhalkov fue a rodar a Italia su película más especial, Ojos negros, un relato basado en algunos cuentos del escritor ruso Antón Chéjov (como La dama del perrito).

Por momentos la película respira la atmósfera chejoviana: la nostalgia, cierta tristeza resignada y decepción existencial, abulia y serenidad de seres que no esperan promesas de la vida, en un contexto de nobles ociosos y empobrecidos.

Como la vida misma de Chejov, que lo marcó y plasmó en sus obras de teatro como La gaviota o El jardín de los cerezos.

 

 

 

Siendo una coproducción italo soviética, Mijalkov rodó en escenarios de ambos países, entre los que se destacan los hermosos y coloridos campos rusos, el campamento gitano, los palacios y los baños italianos que recrean los modos de vida de la nobleza del siglo XIX.

 

El relato sigue las peripecias amorosas de Romano Patroni, un mozo que trabaja en un barco, quien  recuerda y narra su vida a un desconocido pasajero ruso del crucero.

Utilizando la técnica del blashback, Mijalkov nos va llevando a través del recuerdo del personaje, desplegando la historia con un tono de nostalgia. Algunos de los datos biográficos del personaje coinciden con los de Chejov.

Lo que remarca el relato es el caracter del protagonista: jovial, vital, alegre, inmaduro. Y hacia el final la marca que hace de la interpretación de Marcelo Mastroianni un personaje inolvidable: la cobardía, y el reconocimiento de ella por parte del mismo personaje.

 

L

 

 Yo he vivido cada día como si fuera una parodia, una mala imitación. Lo he tenido todo… y nada. Ni una verdadera casa, ni una verdadera familia… Ni siquiera mi hija, que nos parecemos como dos gotas de agua: no me acuerdo de nada. Si muriese en este momento y el Padre Eterno me dijera: “Romano ¿qué recuerdas de tu vida?”… La nana que me cantaba mi madre cuando era pequeño…, el rostro de Elisa en la primera noche… y las brumas de Rusia…

 

 

 

Romano recuerda algunos momentos de su matrimonio con Elisa ( la espléndida Silvana Mangano que vimos en Grupo de familia de Visconti), la única heredera de un banquero italiano con la que se dispuso a vivir en una gran mansión, ocupándose ella de los negocios familiares y él acomodándose a su vida de placeres servidos, olvidándose del gran proyecto que tenía en mente.

Pero hay también una intensa historia de un amor no olvidado que entra en escena para dejar huella en el caballero ruso y en el espectador.

 

 

 

Romano se  escuda en un presunto viaje de negocios para desplazarse a Rusia tras la estela enamorada. A fin de entrar en los círculos de la alta sociedad y así, con suerte, encontrar a la joven, intenta venderles a las autoridades locales un cristal irrompible. Las situaciones creadas alrededor de esta argucia son tan extravagantes como hilarantes. Finalmente, logra su objetivo y topa con la estrella luminosa que le ha hechizado tan profundamente. Anna, mujer casada, sortea la acometida del tenaz pretendiente. También Romano es hombre casado. Pero, no hay problema. Retorna a Italia, consigue el divorcio y volverá a Rusia a los brazos de la amada dama.

 

 

Tras el relato de Romano, Pavel se siente incitado a confesarse: Hace siete años encontré a una reservada dama que había sido desgraciada en su matrimonio. Vivía entonces con su tía, dicen que esperando a alguien… Le pedí matrimonio, varias veces. Me rechazó. Lo sé, soy una nulidad, viejo, feo y tímido. Me dijo que no me quería, no dejaba de llorar, aunque, finalmente, aceptó. Y yo acepté a mi vez aquella humillación, porque la adoro.

 

 

La marcha por Rusia de Romano está filmada por Mikhalkov con gran belleza. Al alba, montado en un carro que lo traslada a la estación de ferrocarril, Romano se queda dormido. En sueños, vuelve a su mente la nana que le contaba la mamma para dormirse, cuando era sólo un niño… Pero, otra música, las alegres melodías danzantes de los gitanos, solapándose con aquélla, le despierta:

— ¡Gitanos! ¡Soy yo, Romano! ¿Os acordáis? ¡Romano! ¡Gitanos! ¡Me voy, pero volveré pronto! ¡Esperadme!

 

 

 

Mijalkov pertenece a una familia de artistas cinematográficos, su padre y su hermano Andrei Konchalovsky, también son reconocidos directores.

 

 

FILMOGRAFIA DEL DIRECTOR:

Amigo entre mis enemigos y enemigo entre mis amigos ( 1974), La esclava del amor(1975) Pieza incompleta para piano mecánico (1976), adaptación de chejov, en la que se reserva un papel,  Cinco tardes ( 1978) según la obra de Alexandre Volodine, Algunos días en la vida de Oblomov ( 1979)  transcripción de la novela de Gontcharov, Los parientes(1981), Sin testigos (1983), en 1987, realiza en Italia Ojos Negros, según tres relatos de Chéjov, en 1994 realiza Quemado por el sol, ambientada en la época de las purgas de Stalin, que recibió el gran premio del Festival de Cannes y el premio Óscar a la mejor película en lengua extranjera, en el 2005, retomó su carrera de actor protagonizando El consejero de Estado; Zhmurki, y de Krzysztof Zanussi Persona non grata, en 2007,  12, una adaptación del drama judicial de Sidney Lumet Doce hombres sin piedad, que recibió un León de Oro especial en el Festival de cine de Venecia, presentó el drama Burnt by the Sun 2: Exodus en el Festival de Cine de Cannes 2010, y  fue seleccionada en 2011 como candidata de Rusia a la Mejor Película Extranjera.