Películas que nos provocan y nos hacen reflexionar
‘The Square’, la película que se ríe de los museos de ARTE CONTEMPORÁNEO
La ganadora del Festival de Cannes es una sátira contra el mundo del arte en general y los museos, en particular.
“Los museos protegen obras absolutamente estúpidas”
La película sorprende e incomoda tal como lo hizo Fuerza Mayor.
Ruben Östlund vuelve a criticar la hipocresía humana.
La película nos obliga a hacernos la pregunta: ¿Qué es el arte hoy?
RUBEN OSTLUND, el director sueco de The square (2017), arremete contra la corrección política, la impostura del arte actual que se parapeta en una retórica críptica ante ataques externos, contra el miedo al otro, contra los medios y las redes sociales, juega a incomodar al espectador.
Entre sus sarcásticos ataques, hace con esta película un fuerte e irónico cuestionamiento al mundo del arte y de la museología.
Consigue hacerlo de una forma inteligente y llena de humor. Se ríe con sarcasmo de ese mundo, y nos deja atónitos y divertidos al introducirnos a lo más chic y moderno del arte contemporáneo.
«Es que esas instituciones no tienen ninguna conexión con lo que ocurre fuera de ellas. Se comportan de manera protectora y elitista con obras absolutamente estúpidas. Y lo mismo pasa con el cine. Si no entiendes una película obtusa en un festival, es que eres tonto. Ya ni discutimos qué es arte». Al inicio de The Square una periodista entrevista al protagonista y le pregunta sobre qué es y no es una exposición. «Y el texto, delirante, lo saqué de un ensayo real de un profesor de bellas artes. Es como el cuento del traje nuevo del emperador. Me resulta fascinante el entramado económico que sustenta la imbecilidad del arte moderno«.
THE SQUARE antes de la película
The Square, la obra de arte, que nació en 2015 antes que The Square, la película. Creado por el propio Östlund, es un cuadrado de luz en el suelo que es “un santuario de confianza y solidaridad. Dentro de ella todos compartimos los mismos derechos y obligaciones”.
La expuso por primera vez en un museo en el sur de Suecia (Museo Vandalorum), donde se ha convertido en un “pequeño movimiento”, un lugar en el que la gente hasta se pide matrimonio; y ya hay otra en Noruega.
Fue, precisamente, creando la obra cuando empezó a escribir el guion y en la investigación para ambas se recorrió los museos de arte contemporáneo de muchas ciudades.
La idea era la falta de confianza, el miedo y la paranoia.
«Confiar en la sociedad es un valor fundamental en Suecia para sustentar nuestra forma de vida. Hoy en toda Europa estamos exagerando miedos al extranjero, al otro, que no son reales y nos conducen a la paranoia. Muchos medios de comunicación y partidos políticos buscan el sensacionalismo o crean un conflicto para llamar la atención»
PELICULA
TRAMA, HISTORIAS, ESTRUCTURA FRAGMENTADA
En el relato se desarollan paralelamente dos historias: una es la que narra y muestra lo que pasa en el museo con las obras de arte, la preparación de la muestra The Square, de Lola Arias, reuniones con la agencia de RRPP, los obstáculos publicitarios, el inconveniente con la muestra de las pilas de arena, las conferencias de prensa, entrevistas, vernisages…
La otra línea del relato es lo que le ocurre a Christian, el director del museo, en su vida privada, a lo largo de una o dos semanas. Al comienzo de la película él está yendo a la reunión con la agencia para promover la muestra The Square, ocurre el incidente en la calle, se enredará en la trama de la búsqueda del ladrón….
La organización de las escenas es al estilo episódico: las escenas cobran independencia, se separan del relato, no están fuertemente ligadas a las anteriores o posteriores. Aparecen como sueltas. En Involuntary la estructura intercalaba distintas historias, y los enfoque y encuadres eran distorsionados, recortados.
La explicación de este tipo de estructura hay que buscarla en la modalidad en que nos movemos en Internet, en You tube, según el director.
Dice Ostlund en una entrevista, al respecto:
«The most powerful moving images that I have seen the last fifteen years are from the Internet, especially from YouTube. It has such a great ability to describe a human being and how we behave even if those images are not connected to any story. They are quite often connected to a very simple situation. I think that to be a director today is challenging because the most interesting moving images actually are presented on the internet. We have to try to create those unforgettable moments and situations where we are highlighting humans and how we behave, also in the cinema and also within the context of the feature film.»
REGISTRO HUMORISTICO
Otro de los rasgos que caracteriza al lenguaje cinematográfico de este director es la ironía, el sarcasmo, la alternancia de escenas trágicas y cómicas, la ambiguedad, la duda que crea en el espectador sobre si es para reírse o no. El las llama comedias trágicas o tragedias cómicas. Lo cierto es que sus películas, al hablar o exponer ideas, de gran densidad filosófica, muestran un juego con el registro humorístico. Tal vez por ello se dice que es un director difícil o complejo.
Ostlund describe así esta tendencia que es marca de sus películas:
«I convey many of the philosophical ideas in the movie through humor. My approach to my films is that they are more like tragic comedies or comic tragedies. One moment they can be humoristic and then the next moment they can be tragic. I love when a scene can shift in just a couple of seconds from laughter to a situation in which someone feels like they aren’t allowed to laugh. It’s purifying. The audience has to decide how to react and I really, really like that. That’s my approach, along with having a big dynamic range in types of expression.»
«I also think that the real-time aspect makes it possible to point out that the situation can be pretty odd at one moment, funny at another moment, and then in the next moment suddenly transform into something horrifying.»
EXTENSION DE SUS PELICULAS
Ostlund prefiere los formatos largos. Según él declara, este gusto tiene que ver con reflejar el relato, las narraciones, el modo como contamos algo en la vida real, en tiempo real. Y dentro de la modalidad realista, está el ir siguiendo el relato en sus detalles y vericuetos, en introducir al que nos escucha o al espectador en la trama.
«I think that the real-time aspect of moving images is interesting because then you are forced to relate to it more like you are relating to a situation in real life.»
» The real-time aspect also shows what the difficult life looks like. The most radical events sometimes have something very humanistic to them just side by side. It’s an approach that I feel is quite powerful.»
PROVOCACION
En el centro o nudo del estilo Ostlund está la provocación. Provocación en el planteamiento temático, en su mirada, y en las escenas mismas.
Como en la escena del rescate en la nieve del marido a su mujer en la tormenta de nieve, en Fuerza Mayor, o en los encuadres distorsionados de Involuntary
La provocación no es gratuita, cumple una función en el estilo del director. Sirve para hacernos ver lo que él está intentando comunicar. Es un dispositivo para la comunicación de ideas. Porque lo que hace Ostlund es decirnos que el mundo no es lo que parece, no es tal como creemos.
Ostlund rompe con nuestras creencias más arraigadas y naturalizadas.
«I think that provocation makes us think about something and reflect upon those things in an efficient way. I would not use a provocation if it did not connect to the content that I am interested in, so provocation in itself is not my goal. However, as long as it makes us think about something that is contemporary and ongoing then it is worthwhile. I definitely like provocation in order to captivate the audience.»
ESCENA DE LA ENTREVISTA
“¿Cuáles son los mayores retos de dirigir un museo?”, le pregunta una insegura periodista al director artístico del museo de arte contemporáneo de Estocolmo al inicio de The Square. (Él es el actor danés Claes Bang, ella la reina de las series hoy, Elisabeth Moss.)
Una pregunta sin trampa a la que el elegante director contesta sin rodeos: “El dinero”.
Si un museo de arte contemporáneo no puede comprar las piezas más punteras, no tiene nada que mostrar.
¿Pero y se puede mostrar/exhibir todo en un museo de arte contemporáneo? La periodista continúa y le lee un artículo que el director había escrito sobre el debate “Exhibition/Non Exhibition”, un montón de palabras que a él mismo le cuesta explicar pero acaba reformulando para cuestionar qué se ve en los museos de arte contemporáneo: “Si pones un objeto en un museo, ¿eso lo convierte en un pieza de arte? Por ejemplo, si pusiéramos tu bolso aquí, ¿eso lo convertiría en arte?”. La cara de Elisabeth Moss ante su respuesta es la de todo la audiencia. Solo le falta reírse, algo que sí hace el público viendo la película.
ESCENA DEL HOMBRE MONO
Ostlund cuenta que buscó en Youtube actores que imitaran al mono, y que encontró un video de este actor con una demostración, e inmediatamente le ofreció el papel.
El verlo en su imitación del simio lo inspiró en su idea de que un humano imitando a los monos lo hizo pensar en el lado animal de los humanos.
En que los humanos no somos más que animales tratando de lidiar con nuestras verguenzas, instintos, necesidades y con la idea de que somos civilizados.
Y es este conflicto precisamente lo ayuda a explicar lo que es el ser humano.
ESCENA DE LA CHARLA CON EL AFECTADO POR EL SÍNDROME DE TOURETTE
SOBRE EL ARTE
El filósofo alemán Enmanuel Kant escribió en 1790 la Crítica del juicio, en la que intentó fundamentar la estética y sentó las bases de las concepciones sobre el arte.
Elaboró las categorías estéticas de lo bello y lo sublime y enunció ideas como: «el juicio estético no puede depender de un interés ajeno a la propia contemplación del objeto«.
Hoy el arte se vuelve contra esas categorías clásicas, tradicionales. Originalidad, placer estético, agradable o desagradable, placer o displacer, expresión de una subjetividad… caen en desuso. El arte es otra cosa. Los debates y polémicas del pasado se dan por terminadas. Todo parece viejo.
Hoy nadie está interesado en lo bello, un concepto caduco, como dice Beatriz Sarlo.
The square muestra, con una sinceridad indiscutible, una postura crítica demoledora:
Su mirada se posa sobre el «capitalismo estético»: El arte como valor y producto de acumulación y de consumo capitalista, de prestigio social, como valor político, social y económico, la cultura como modo de dominación.
Como medio dador de fama, dinero, status, ubicación social, poder.
Por otro lado, «el mercado del arte se ha vuelto conceptual en estado puro» :
«El valor de la obra es producto de las circunstancias de su aparición. Los museos no permanecen ajenos a esta tendencia. (…) El arte tiene que apoyarse en su puesta en escena para garantizar el número de concurrentes.» (Beatriz Sarlo)
El arte como puesta en escena, como acontecimiento inesperado, como sorpresa, como gesto.
El arte ya no es original, sino reconstruible, repetible (una de las mayores ironías de la película: cuando el personal de limpieza elimina los montículos de arena, éstos son reconstruidos)
La originalidad está en la idea. La puesta puede ser copiada.
«La sociología del arte ha vencido a la estética. Las obras valen por su gesto frente al público.»
DECONSTRUCCIÓN DE LA MASCULINIDAD
Las películas de Ostlund deconstruyen la idea de masculinidad tradicional. Ya no se trata de los hombres que entienden el mundo que los rodea y actúan sobre él.
Sus personajes están socialmente ubicados en lugares prestigiados, valorizados, pero un hecho inesperado, sorpresivo, los llevará a una crisis, que los hace vulnerables.
Sus relatos colocan a la crisis de la masculinidad en el centro del conflicto o de la historia.
Estas figuras masculinas no son capaces de comprender lo que ocurre alrededor de ellas pero aún sienten que pueden y son capaces de resolver sus problemas, hasta que el conflicto les estalla y socava sus gestos de poder.
SOBRE SU PROXIMA PELICULA:
«Volveré a combinar actores suecos y estadounidenses, aunque filmaré por todo el mundo. Ya tengo el guion de mi siguiente proyecto. Mi esposa es fotógrafa de moda, trabaja en ese mundo de modelos y belleza, con botox por todos lados. Y voy a ahondar en ese universo con otra jerarquía social regida por argumentos banales que comportan un valor económico. Porque la belleza es una lotería, no depende de uno. Y además, ¿quién decide si eres guapo o guapa?«.
GRUPOSDECINE 