Imaginario de juventud en el cine: en los ´50, los ´80, Generaciones X, Y, Z

Rebelde sin causa

EEUU, 1955. Dirigida por Nicholas Ray e interpretada por James Dean

 

 

La ley de la calle

(Rumble fish) EEUU, 1984. Dirigida por Francis Ford Coppola e interpretada por Matt Dillon y Mickey Rourke

 

 

 

Generación X 

(Reality Bites), EEUU, 1994. Dirigida por Ben Stiller e interpretada por Winona Ryder y Ethan Hawke

 

 

Frances Ha

presenta a la Generación Y o Millennials

Millennials vs Generación X

 

Millennials Vs Generación Z

2. Los Millennials empezaron la tendencia de multipantalla. Usualmente hablamos del control de dos pantallas, y el mix más común es computadora-celular. La generación Z realmente pone en alto el término multipantalla controlando cinco pantallas a la vez. Ouch.
3. Los Millennials se comunican mejor con texto, la generación Z con imágenes.
4. La generación Z crea contenidos y los Millennials lo comparten.
5. Los Millenials se enfocan en el presente y la nueva generación en el futuro.
6. A diferencia de los Millennials, la generación Z es realista.
7. La generación Z trabaja para obtener éxito personal, los Millenials trabajan para ser tomados en cuenta y sobresalir.

 

GENERACIÓN Y O ‘MILLENNIAL’: LOS NATIVOS DIGITALES

 

Conocidos también como nativos digitales,la tecnología forma parte de su día a día:todas sus actividades pasan por la intermediación de una pantalla. On y off están integrados completamente en su vida. Sin embargo, no nacieron con ella, sino que de la época analógica en la que vivieron migraron al mundo digital.

A diferencia de las generaciones anteriores, el mundo, con motivo de la crisis económica, les exige una mayor preparación para optar a un puesto de trabajo, donde cada vez la competencia se hace mayor. En oposición a sus padres —la generación X— los nativos digitales no se conforman con lo que les ha tocado vivir y son ambiciosos para alcanzar sus metas.

No obstante, la generación del milenio vive con la etiqueta de ser perezosa, narcisista y consentida. La revista Time los catalogó como la generación del yo-yo-yo:

Se centran demasiado en sí mismos, en su trabajo, le temen al compromiso.

Saben que son jóvenes, buscan lo que quieren, hacen lo que quieren y sacrifican muchas cosas en en el camino.

 

CARACTERÍSTICAS DE LA GENERACIÓN Z O ‘CENTENIAL’

 

 También catalogados como centenial, por haber venido al mundo en pleno cambio de siglo  llegaron con una tablet y un smartphone debajo del brazo. Generación marcada por Internet,  en su casa, en su educación y en su forma de socializar.

Su dominio de las tecnologías quizá hace que descuiden más sus relaciones interpersonales, pero son los que dan más voz a las causas sociales por Internet. Les gusta obtener todo lo que desean de forma inmediata, y su identidad se construye a través de las identificaciones y los likes.

Son multitarea, pero su tiempo de atención es muy breve. Son independientes y consumidores exigentes y ocuparán puestos de trabajo que hoy en día aún no existen.

A la generación actual, los que han nacido después de 2010, se les acuña el término de generación Alpha.¿Cómo será su comportamiento?

 

Los contrastes y diferencias generacionales representados en el cine dan lugar a relatos de todo tipo. Un ejemplo de comedia «tonta» americana es ¿Por que él?

 

 

Frances Ha, adorable Greta

 

 

EEUU, 2012. Dirigida por Noah Baumbach, y escrita por el director y la actriz protagonista, la maravillosa Greta Gerwig, que son pareja en la vida real.

A Greta la conocemos en su faceta de directora, por su excelente y  exitosa película Lady Bird. Y la amamos, junto con su personaje, con la Christine, de melena colorada.

Con una trayectoria como guionista, ahora la vemos en la actuación, en este personaje de Frances Ha, memorable.

Y hay cierto paralelismo entre estos dos personajes, al que interpreta en Frances Ha y al que presenta en su película Lady Bird.

 

 

 

 

 

 

 

Frances Ha reivindica, a partir de su sintaxis cinematográfica, el valor de lo cotidiano en la transformación individual de su protagonista, el camino vital que atraviesa en la entrada a la adultez, las crisis, las búsquedas.

Por lo formal y temático, la película toma sus referencias del cine de John Cassavetes y de la Nouvelle Vague: es interesante analizar esta obra contemporánea como un reflejo nostálgico de una generación que intenta abrirse paso en el mundo adulto sentimental y laboral.

 

 

Baumbach demuestra estar influido por la Nouvelle Vague por el tono y el espíritu de búsqueda existencial, en la pintura de sus personajes jóvenes intentando moldear una identidad, y por los directores franceses contemporáneos, mostrando esta influencia en la forma,  en las imágenes, en la banda sonora.

El director hace un guiño homenaje a la  producción de Leos Carax, Mala Sangre, 1986, cuando la protagonista corre como loca al ritmo de la canción Modern Love de David Bowie. 

 

 

 

Frances Ha es la historia de un personaje desubicado e inestable, neurótico, confundido, liviano y grave a la vez. Un poco como lo era el personaje de Paul de Masculino, femenino, de Godard, interpretado por Jean-Pierre Leaud.

 

 

El chico que Truffaut descubrió para protagonizar a Antoine Doinel de Los cuatrocientos golpes (Les quatre cents coups, 1959)  se convirtió en símbolo de la “nueva ola” del cine francés actuando tanto para Truffaut como para Godard, y fue la representación del espíritu de época de los jóvenes en búsqueda de nuevos modelos y nuevas formas de vida.

La escena que abría la película presentaba al joven Paul que hace poco salió del ejército y ahora busca empleo. Está escribiendo, con lentitud y fuma. Conocerá a Madeleine, él es hijo de Marx, y ella de la Coca Cola.

Frances viene a representar a esos jóvenes que rompen con los modelos, a una generación neoyorquina post yuppie, que ingresan a la vida adulta sin los ideales de la generación anterior, tratando de encontrar una vida muy distinta a la de su madre, y con las contradicciones que marcaba Godard.

 

como la generación Y se convierte en adulto

 

Podemos dibujar una continuidad entre la vida del personaje adolescente de Christine, de la película Lady Bird dirigida por Greta Gerwig (2018), y Frances, el personaje protagonizado por la directora en 2012.

Como si Frances pudiera ser la jovencita de Lady Bird que soñaba y ansiaba fervientemente irse de su ciudad hacia la soñada vida de Nueva York, ya mujer cumpliendo irónicamente ese sueño.

 

 

 

«No soy camarera, sirvo bebidas«, dice Frances. Es un trabajo transitorio, no define su identidad, ella quiere ser actriz.

Frances es el reflejo de una generación, de un estilo, de un contexto, de la llamada GENERACION Y.

Jóvenes hastiados con estudios y con un horizonte incierto conforman un paisaje que rompe de lleno con las expectativas, tanto laborales como personales, de sus infancias y adolescencias. “Intento ser decidida con mi vida” o “me gustan las cosas que parecen errores”.

El leitmotiv de Frances Ha lo resume con acierto David Bowie y su Modern Love en  “It’s not really work, It’s just the power to charm” no solo sintetiza una escena sino que condensa una filosofía de vida: cómo enfrentarse a la edad adulta.

Además, el protagonismo de David Bowie tampoco es anecdótico, ya que como referente tiene una importancia destacada. David Bowie es uno de los tótems incuestionables de la cultura pop, un artista camaleónico que hizo de su música una herramienta de experimentación y liberación personal y colectiva.

 

 

 

La película habla de libertad  en una atmósfera de naturalidad y realismo en la que se entremezclan el amor, la amistad y la búsqueda de identidad.

Frances Ha  retrata la vorágine urbana y verbaliza temas como la soledad y las expectativas de madurez.

Lo que nos conmueve del personaje de Frances es su sinceridad, su vulnerabilidad, su torpeza.

Frances Ha sigue la evolución personal del personaje. Y no importa tanto en quién se ha convertido sino la ternura y frescura que nos regala en cada secuencia.

La película logra el efecto de un relato vital sincero y sensible,  y evita un final cerrado, tal vez por el futuro incierto del personaje.

 

 

Recordemos que esta película se enmarca dentro del Mumblecore: (mascullar) subgénero del cine independiente estadounidense surgido a principios del siglo XXI que se caracteriza por la producción de bajo presupuesto. La temática de estas películas se centra en las relaciones personales de sus protagonistas, que suelen moverse entre la veintena y la treintena, con diálogos improvisados y actores no siempre profesionales.

 

 

Noah Baumach y Greta Gerwig son la pareja de moda del cine independiente, del cine «hipster», o dirigido a un público de jóvenes modernos, de estilo descontracturado, un toque rebelde.

 

así son los hipsters: seres fuera de la norma, que encuentran el gusto en lo minoritario. En el cine, podemos identificar una película hipster por su banda sonora ‘indie’, su combinación de superficialidad y hondura emocional, por sus montajes dinámicos pero alejados de convencionalismos y, en definitiva, por una búsqueda constante de la propia identidad

 

 

 

 

 

 

Código 46, del británico Winterbottom

 

Me gusta el tono, el modo en que «habla» Winterbottom, las atmósferas y los personajes que crea, cómo los presenta y los relaciona entre sí, los climas subjetivos que monta. Y la fotografía, la música, la factura técnica son espectaculares, nos van conduciendo y sumergiendo en la trama.

Lo vengo siguiendo desde sus primeras películas.

Winterbottom es un director prolífico. Ganó el premio a la Mejor Dirección en el Festival de Berlín con Camino a Guantánamo.

 

 

 

 

 

 

 

Código 46 es especial, rara por el tratamiento temporal, por tratarse de una historia futurista, ubicada en algún punto de nuestro futuro cercano.

Pero es un futuro que toma elementos de este presente, de este mundo actual.

Es una película extraña y cercana a la vez.

Realizada en 2003, le permitió al director imaginar algunos desarrollos y proyecciones hacia el futuro, pero muchos aspectos no llego a entrever. Se plantea como un interesante juego de imaginación y análisis antropológico.

Y sobre ese fondo se diseña la trama, que no es más que una historia de amor, pero tratándose de este director, es una historia con dos personajes y dos intérpretes que nos conmueven.

Tim Robbins como William está mejor que nunca, o tal vez no porque siempre está bien, y junto a Samantha Morthon como María González, construyen dos papeles inolvidables.

 

 

La banda sonora cuenta con canciones de Coldplay, The Clash e, incluso, un tema interpretado por la polifacética Milla Jovovich.

Tomando un truco ideado por Andrei Tarkovski en “Solaris” (1972), Winterbottom visualiza su futuro con retazos y vistas de grandes urbes actuales.

La fusión de idiomas es fascinante.

Los avances tecnológicos que tuercen la trama son inquietantes: el hombre ha creado virus que permiten aprender idiomas, o adquirir cualidades como la empatía.  Y la concepción y la natalidad son fiscalizadas por el estado.

 

 

Como un Gran Hermano postmoderno, hay tres temas que subyacen a la trama: el reflejo de una lucha de clases futurista, la reducción de los individuos en la sociedad occidental a meros instrumentos de un orden racional-técnico superior y la dominación autoritaria que se establece mediante organizaciones (la principal de ellas es «La esfinge», omnisciente y omnipotente).

Los ecos de las grandes películas de la ciencia ficción contemporánea resuenan en las imágenes de Código 46: la amenaza ecológica de Blade Runner,  el enredo genético, la densidad moral que plantea el uso de la tecnología.

Todo la historia parece girar alrededor de esa necesidad del director por comprender los avances y usos de la tecnología, los efectos sobre la subjetividad, la libertad, la manipulación, la organización social como previó George Orwell en su novela 1984.

A la manera de un Gran Hermano del siglo XXI, Winterbottom se pregunta  y se imagina un mundo dominado por las tecnologías.

Y en él, en el centro de ese escenario frío y cruel, ubica a sus personajes como  individuos dominados por sentimientos y emociones, lo que plantea  un viaje interior gradual hacia algo complejo e inquietante, la marginación, la exclusión, el afuera del mundo.

Ese adentro y ese afuera, la legalidad e ilegalidad, la imposibilidad de ingreso, el examen genético, las diferentes realidades de un mundo desigual, injusto, arbitrario.

 

 

 

 

Desde la mirada de Winterbottom nada es neutro o puro entretenimiento, todo se carga de sentido moral, cuestionador, filosófico.

Winterbottom ama a sus personajes, se mete en la vida de esas creaturas ficcionales, en sus sentimientos, en sus mundos.

Y no deja de mostrar lo que para él está bien, está mal, es justo o injusto.

Es un director moral, pero por sobre todo sensible. Lo que importa es lo que les pasa y lo que sienten los seres humanos.

 

Festival de Mar del Plata 2018

 

El único festival de cine internacional clase A de América Latina, se realizará del 10 al 17 de este mes.

Este año como visita internacional estará el francés Jean-Pierre Léaud, el actor que interpretaba al personaje legendario de Antoine Doinel en la saga de Francois Truffaut: desde Cuatrocientos golpes, que mostraba al niño adolescente, siguiendo las distintas etapas de la vida del personaje. El actor es la cara de la nouveau vague. En Mar del Plata conmemora los 60 años en el cine.

También estará el provocativo director francés Léos Carax, cuya deuda de este curso pensamos saldar el año próximo con Los amantes del Pont Neuf.

De las películas que podrán verse me interesan de tres directores que ya conocemos, y son los más destacados:

El turco Nuri Bilge Ceylan  (vimos Climas y la extensa Winter Sleep, ganadora en Cannes, descriptivas de la subjetividad, los paisajes y la cultura de ese país, con profundidad y sensibilidad como marca de este director)

El francés Oliver Assayas (vimos Las horas del verano, Sils Maria y Personal Shopper, todas con la sutileza, elegancia, inteligencia en los diálogos, belleza formal de su estilo y la infaltable actriz fetiche Juliette Binoche)

Si bien no está en el nivel de los anteriores, el griego Yorgos Lanthimos (vimos la discutible, polémica y provocativa Lobster)

Espero con ansiedad ver las películas que presentarán en Mar del Plata, ojala las podamos ver pronto.

Y seguiremos de cerca las distinciones del jurado, la oportunidad de conocer nuevos directores, buenas películas, cine de calidad.

Mar del Plata y el BAFICI son un orgullo y un momento de acercamiento al cine, a la pasión cinéfila que quiero compartir con mis lectores.