Transit, del alemán Petzold

 

De uno de los más importantes directores alemanes de hoy, el director de la memorable Bárbara, llega esta película distópica, extraña, pero siempre con la temática y el sentido de humanidad que lo caracteriza.

Participó en la sección oficial del 68.º Festival Internacional de Cine de Berlín.

En tránsito es la tercera parte de una trilogía que incluye otras dos obras anteriores de Petzold, Bárbara y Phoenix. Las tres abordan sendas historias de amor en un sistema opresor. Bárbara es el amor de una mujer detrás del telón de acero, en la República Democrática Alemana de la era comunista. Phoenix cuenta la historia de una mujer en el nacionalsocialismo. Y En tránsito es una historia de amor en el limbo de lo que es el tránsito.

A partir de la adaptación de la novela homónima de Anne Seghers, una escritora judeo-alemana, que publicó dicho libro durante su exilio en 1944, el director aborda esta temática desde una mirada universal y atemporal, con el transfondo del momento político y social en el que se encuentra el mundo hoy.

 

METAFORA

 

Los judíos y/o alemanes que se encontraban en Francia para ese entonces son extrapolados a los refugiados que llegaron a los distintos puntos de Europa en estos últimos años.

Y ambos grupos son tratados de la misma manera: no reciben mucha ayuda, las personas les son indiferentes, son considerados parias de la sociedad.

Es muy potente la imagen del registro de las personas por la policía en las calles de París actuales como si fuera durante la ocupación nazi.

Personajes escapando siempre, en la ilegalidad. Los perseguidos por los nazis como los indocumentados de hoy.

El de Petzold es un cine que nos habla de hoy a través del pasado.

 

 

 

 

Petzold nos presenta una vez más el dilema de los refugiados, del exilio, de los excluídos, de los perseguidos políticos, de la falta de libertad.

El mundo de ayer y de hoy reflejado a través de un puñado de personajes, atravesados por el momento histórico que viven.

La ocupación nazi y persecusión de los judíos y opositores se equipara a la exclusión de la sociedad y de los estados europeos de los inmigrantes africanos y refugiados de los conflictos en Siria, Irak, Balcanes…

La acción transcurre en un tiempo indefinido, que puede ser el de la Segunda Guerra o puede ser hoy.

Hay líneas de relato de género político, policial, romántico, de confusión de identidades, y una trama de tipo de melodrama clásico, como Casablanca.

Petzold utiliza los recursos del melodrama para mostrar y contar qué fue y qué significa aún hoy ser un refugiado político, un perseguido, un paria social.

Este paralelismo no sólo es interesante sino que también sugiere que los terribles fantasmas del pasado están más cerca de lo que pensamos.

Una narración en voz en off omnisciente, en tercera persona, a la manera del cine noir francés, nos cuenta los pensamientos y sentimientos de todos los personajes.

El relato se inicia al estilo de un thriller de espías de los años 40, en el escenario de Marsella actual, para hacer recaer la tensión en el peso emocional del debate del protagonista entre deseo y deber, un personaje en tránsito perpetuo, debate  que nos involucra y emociona, como sólo este director logra hacerlo.

Petzold utiliza la pasión del melodrama para contar otras cosas, para introducirnos en mundos poco amables, lacerantes, que son lo más vergonzante de la historia.

 

 

 

ENTREVISTA AL DIRECTOR

 

Cuando pensé en rodar la película y situarla en la actualidad, viajé a Marsella y me pregunté ¿qué está ocurriendo ahora aquí? ¿Qué pasaría si llegara un tren y la gente tuviera que saltar del tren huyendo de las fuerzas de seguridad? ¿O qué pasaría si en este bistró entrara una mujer buscando a su marido? Y lo más alucinante, lo más sorprendente del asunto es que pensé que no había otra forma de contarlo, había que contarlo en la actualidad porque es una ciudad que encierra distintas épocas. La ciudad también me pedía contarlo de esta manera. Los vagones del tren por ejemplo… yo hubiera rodado en unos contenedores que inmediatamente te hacen pensar en Auschwitz, en la deportación de los judíos, pero realmente es que los trenes, esos contenedores, son tal cual hoy en día. Y en ellos se traslada a los refugiados también a los campos de refugiados del sur de Francia. Ahí se corresponde el pasado con el presente. Todo está en el mismo lugar, Marsella es el mejor ejemplo de que alberga el ayer, el hoy y el mañana, que coinciden, son mundos paralelos.

 

 

 

Esta trilogía que incluye Bárbara, Phoenix y En tránsito son historias de amor en sistemas opresores. Bárbara es el amor de una mujer detrás del telón de acero en la República Democrática Alemana, en la Alemania comunista. Phoenix es una mujer en el nacionalsocialismo. Y En tránsito es una historia de amor en el limbo de lo que es el tránsito. En el cine el amor siempre actúa como bálsamo, parece que las personas sufren y cuando conocen a alguien vuelven a sentirse bien, ese es el mensaje de la mayoría de las películas. Pero también está claro que el amor es fruto de las circunstancias que viven esas personas, hay distintas formas de amor.

 

SOBRE LA VOZ EN OFF

 

En este caso la voz en off es la de un camarero que cuenta algunas cosas que ni siquiera son verdad, porque dice «yo vi que se besaban» y en esa escena solo se están agarrando de las manos. Es decir, esa voz en off miente. En determinados momentos queda claro que es un humano, que no es Dios esa voz en off que nos acompaña en la película, por un lado. Y por otro esa voz en off me sirve para equiparar la memoria y la actualidad, porque en cuanto cuenta algo, ya es algo perdido, ya es algo que es parte del pasado. La voz en off convierte la actualidad también a su vez en memoria, en historia. Y los personajes han perdido su pasado pero también han perdido su presente. Esa es la funcionalidad de la voz en off.

 

SOBRE EL PERSONAJE DE MARIE

 

Marie no un personaje de mujer real, más bien la proyección de un hombre. Además se ve en toda la historia de la música, de las canciones, de los marineros. Hay muchas canciones en alemán que hablan de la Marie, la María del puerto. Es decir, el nombre de Marie evoca, no una persona de carne y hueso, sino más bien una aparición casi litúrgica, divina. De hecho también en la novela de Anna Seghers es así, el personaje de Marie es más bien etéreo. Y ella mismo lo dijo, que no parece un personaje escrito por una mujer sino por un hombre. Pero Paula Beer, la actriz que lo interpreta, le da cuerpo, materializa a Marie, sus zapatos por ejemplo, los zapatos que eligió, prácticamente de baile, convierten a Marie no en una proyección sino en una mujer de carne y hueso. O sea que el trabajo fue fruto de Paula Beer, de la actriz.

 

 

 

Border, una propuesta extraña y atractiva

 

Suecia/Dinamarca, 2018. Titulo original: Gräns.

Dirigida por el iraní, actualmente residente en Dinamarca, Ali Abbasi .

Con un guión de Abbasi, Isabella Eklöf y John Ajvide Lindqvist, basada en el cuento del mismo nombre de éste último, de su antología Let the Old Dreams Die.

La película ganó el Premio en Cannes 2018 de la Sección Una cierta mirada, y el Oscar al Mejor Maquillaje y Peinado en 2019.

 

 

 

Ajvide Lindqvist, sobre cuyo relato se basa la película, cultiva la literatura de terror. Y juntos, director y escritor, elaboraron el guión de Border, combinando elementos de la mitología nórdica dentro de la trama policial de la Suecia actual.

AJVIDE LINDQVIST

 

ALI ABBASI

 

Abbasi utiliza el formato de una trama policial para presentarnos un personaje extraño, solitario, con características de animal, que tiene el raro atributo de oler los sentimientos de los demás, como el miedo, la culpa, la inquietud, para deslizar la narración hacia un conflicto de identidad, reconocimiento y lucha en el ámbito de la subjetividad.

El relato nos va llevando desde la extrañeza y  la repulsión, hacia la humanidad de un ser a quien se le devela su identidad y lucha por insertarse en el mundo humano.

LLegamos a sentir comprensión, ternura, y empatía por Tina (Eva Melander), ese personaje monstruoso, que es diferente y no encaja. El director logra extender la humanidad, la inclusión de ese ser tan distinto y repulsivo dentro del mundo de los humanos.

 

ANIMALIDAD Y HUMANIDAD

 

A mitad de camino entre humano y no humano, Abbasi plantea una temática filosófica contemporánea y muy actual: racionalidad, animalidad, animalidad de lo humano, la diferencia ontológica entre hombre y animal.

En la Fenomenología del espíritu, Hegel presenta el nacimiento o surgimiento de la autoconsciencia, en el reconocimiento entre dos conciencia, es decir en el encuentro con otro.

Lo «animal» es entendido como sustrato vital-biológico que ha de ser suprimido para que se dé un reconocimiento humano entre dos sujetos e iniciar, de este modo, la dimensión propiamente histórica de la humanidad.

En lugar de plantear estos dos ámbitos, a saber lo natural-animal y lo humano-histórico, como irreductibles y excluyentes, la filosofía contemporánea los piensa a partir de su recíproco entrelazamiento ontológico.

La controversia filosófica acerca de la «esencia del hombre» recibe propuestas filosóficas postantropocéntricas (Merleau-Ponty, Derrida) que permiten repensar la especificidad del hombre sin renunciar a comprender su radical proximidad al animal, es decir, a reconocer la parte animal del hombre, que la filosofía y la religión siempre negó.

La filosofía rehabilita lo corporal, lo perceptivo, lo irracional como componente de lo humano.

 

 

 

Al iniciarse la película, con voz en off,  Tina relata: «Cuando era niña creía que era especial, pensaba todas esas cosas sobre mí, pero después me hice mayor y me di cuenta de que era solo un ser humano«.

La primera escena de la película es toda una declaración de intenciones:  Tina atrapa y observa a un insecto con amor y lo devuelve a su medio; un paralelismo que va a ir cobrando sentido a lo largo de la película.

Tina vive sumida en su rutinario trabajo en la aduana, pasa su tiempo libre leyendo, visitando a su anciano padre y compartiendo su casa con un parásito social que la manipula física y mentalmente.

Su vida va a dar un giro total cuando conozca a Vore, alguien que es como ella y que le va a hacer sentir y descubrir cosas que ni ella, ni nosotros los espectadores, imaginábamos.

Aun cuando nada lo incrimine al extraño, algo rompre la calma, inquieta a Tina, la altera. Cuando Tina y el extraño se miran, el encuadre es simétrico, uno como reflejo del otro.

Progresivamente, ella se sumerge, y el espectador con ella, a partir de varias líneas narrativas, a descubrir lo oculto.

Como la investigación en la que Tina participa, tendiente a descubrir una red de pedofilia, las preguntas que Tina hace a su padre sobre su niñez, y la maternidad que su cuerpo presuntamente le niega.

El desenlace le da a la escena inicial en la que Tina salva al insecto su razón de ser:  hay acciones que no se sabe muy bien porqué se ejecutan, hasta que develan una interioridad que insiste y puja.

Y este sentido con el que el final ilumina el resto de la película no resulta solo explicativo. Es metafísico. Se refiere al sentido de la vida. De la vida humana.

Abassi no recurre a la religión, pero nos da una lección sobre el sentido de la vida.

 

 

TEMATICA DE INCLUSIÓN

 

Border trata temas universales como el miedo a no encajar dentro de los patrones establecidos, el deseo de ser querido o el anhelo de ser madre.

Y presenta el lado más oscuro y miserable del ser humano plasmándolo en esa eterna lucha que hay entre hacer lo correcto o seguir los instintos.

La narración que desarrolla la película  se sale  de lo previsible. Al hacerlo, tiene que atravesar momentos tensos, algunos insoportables. De hecho, la propia Tina no puede terminar de asimilar lo que acontece, ya que hay ciertos límites que ponen a prueba su moral. Lo que a su vez ha sucedido es que ella se sabe ahora de otra manera, tan segura de sí como lo es con su olfato. Hubo un cambio cualitativo del que ya no podrá volver. Lo todavía más atractivo del planteo que Border sugiere, es que al ser dicha situación sólo posible desde la aceptación propia, primero hay que saber. Al arribar a la plenitud que supone saberse consciente.

Border logra una de las más potentes propuestas tendientes a la defensa de la diversidad sexual o de cualquier tipo, que atañe a la identidad borrada, oculta, socialmente negada y luego reconocida, asumida, reivindicada.

Border es una fábula con moraleja que nos crea debates y conflictos morales sin darnos tregua y que nos lleva a una conclusión: no hay nada más humano que no querer hacer daño al prójimo, y es algo que se siente sin importar de donde vengas, sin importar quién o qué seas.

La película logra gradualmente naturalizar lo que parece extraordinario -el olfato infalible- para poner en duda lo que a simple vista pareciera irrebatible.

 

LOS TROL EN LA MITOLOGÍA ESCANDINAVA

 

Ali Abbasi narra su historia desde la perspectiva cruda y real que tiene el cine de autor puro, pero desde fantástico que bebe de leyendas milenarias propias del folclore escandinavo.

Los trolls son seres legendarios en el folklore y la mítica céltica nórdica que han ido evolucionando en el imaginario popular, desde la Edad Media hasta hoy, adquiriendo distintas formas y atributos.

Su papel en los mitos cambia desde gigantes diabólicos hasta taimados salvajes más parecidos a hombres que viven bajo tierra en colinas, inclinados al robo y el rapto de humanos que, en el caso de los niños, eran sustituidos por «niños cambiados»: una creencia era que los troles robaban incluso un bebé recién nacido, dejando a su propio vástago, un (bort)byting («niño cambiado»), en su lugar.

Para guardarse de los troles siempre podía confiarse en el Cristianismo: las campanas de la iglesia, un crucifijo o palabras como «Jesús» o «Cristo» servían contras ellos.

Hoy se los representa como muy parecidos a los humanos en apariencia, y a  veces tienen una cola escondida en sus ropas.

En la literatura infantil sueca, los troles no son malos por naturaleza, sino primitivos e incomprendidos. Sus fechorías se deben a una combinación de rasgos humanos básicos y comunes, como envidia, ingenuidad, ignorancia o estupidez.

 

El mérito de Border está en hacer real lo mágico.

Y sale airoso de jugar con diversos géneros, de manera magistral: es un thriller que va in crescendo, una tierna historia de amor, y una película de terror que contiene escenas perturbadoras que rozan lo grotesco. Realismo y transgresión, con cine de terror.

Border nos inquieta y nos conmueve.

Recibimos a este director, al que no conocíamos, con gran celebración, admiración y espectativa, a partir de esta auspiciosa presentación.